RAKTA: Rakta EP (Dama Da Noite Discos & Nada Nada Discos 2013)

22/4/14

Hace algunas semanas hablaba en una tienda de discos con dos buenos amigos sobre la evolución de los sonidos en la música. Cierto es que muchas de las bandas, llegadas a un punto, deciden evolucionar, no sólo porque acaban cansados del sonido practicado hasta ese momento, sino porque a fuerza de escuchar nuevas bandas y otros estilos musicales, sus influencias van haciendo que sus composiciones y su forma de transmitir lo que sienten vaya variando. De la misma manera, hay nuevas bandas influenciadas por esos sonidos “pasados” que tanto nos gustan y que quedan claramente plasmadas en sus discos. Y este es el caso que nos ocupa…

Cuando una mañana recibes un mensaje de un buen amigo diciéndote que hay una banda brasileña que merece (y mucho) ser escuchada, surge entonces el ansia por comprobar cuál es la propuesta musical recomendada. Localizo el disco e inmediatamente paso a escuchar los temas… Con ganas, muchas ganas… Y van cayendo, uno tras otro.

La primera impresión no siempre es la que cuenta, con lo que tras esa primera escucha, me meto de lleno en una segunda, para tratar de darme realmente cuenta de lo que estoy oyendo. Y sí… suenan bien, pero que muy bien… Y en seguida me doy cuenta de que tengo que hacerme de inmediato con el vinilo…


RAKTA son una banda de Sao Paulo formada por 4 chicas muy jóvenes y con muchas ganas (Paula, Carla, Natha y Laura), y editaron este vinilo 12’’ de 6 temas en diciembre del 2013 (aunque fue grabado justo un año antes, en noviembre de 2012). Las influencias de la libertad filosófica y musical del post punk de los primeros años 80 y la psicodelia son patentes desde el mismo inicio del disco con el sobresaliente “Run to the forest – Repetition”.

En éste caso, y rompiendo la tradición de las críticas de discos, no voy a hablar de cada uno de las composiciones por separado, para que el oyente se enfrente a ellos sin “la mala costumbre” de conocer de antemano “a que suenan” esta sorprendente banda. Sí describiré su música como ellas la entienden: Pura energía femenina desde la misma tierra, expresada en sonidos distorsionados de bajo y guitarra, ambientes atmosféricos en los teclados (un peculiar “krautrock” repetitivo) y la poderosa voz de Paula… Según ellas mismas “un ritual pagano en un bosque donde la brutalidad de los edificios de hormigón de Sao Paulo tomó el lugar que ocupaban los árboles y la naturaleza”. Misticismo y reivindicación unidos…


En definitiva, estamos hablando de un disco sin fisuras, muy directo, arrollador y notable en cuanto a su ejecución y su propuesta. Existe un magnífico futuro para estas chicas…

Sinceramente IMPRESIONANTES… Un 9 sobre 10…

Texto: Jesús Der Erzengel


SESIÓN DE PROFUNDIS 10 DE MAYO DE 2014

20/4/14



LAS NOVIAS: QUIEN NO SE RINDE BRILLA INVICTO

10/4/14
Las Novias han publicado recientemente su cuarto LP: Invicto. Porque es buenísimo y porque les teníamos “ganas” desde hace más de veinte años, decidimos entrevistarlos. Decidieron aceptar, además. Generosamente. He aquí cuánto:




- Sois un grupo sobradamente conocido por cualquier aficionado a la música que se precie (y nos consta que nuestros lectores los son), pero aún así, ¿querríais presentaros por si hay por aquí algún despistado?

Las Novias es un grupo de largo recorrido, formado por tres adolescentes -Toño Leza, Óskar Díez y Pedro García Ferrer- a finales de los 80 y que funcionó como cuarteto -con Roberto García como batería- durante el s. XX. Desde su marcha hemos cambiado dos veces de batería; del actual, Luismi Yoldi, esperamos una relación duradera.
No nos hemos prodigado demasiado. Somos un grupo semioculto. Hemos editado discos con cuentagotas -el último es el cuarto de larga duración- y hemos tocado cuanto hemos podido; ahora, más bien, cuando nos apetece.
Empezamos “a lo grande” (Sueños en Blanco y Negro, 1992), con contrato con multinacional y presencia en los principales medios de radio y televisión. Sabemos lo que es tocar en lugares como el estadio de La Romareda o el Palau Sant Jordi, ver grandes colas de gente en la Gran Vía madrileña esperando en una firma de discos; salimos a tocar al extranjero (Bélgica); creamos nuestra propia discográfica “A la Inversa Records” con el que fue el productor de nuestros dos primeros discos, Enrique Bunbury pero el proyecto terminó enseguida.
Después de nuestro segundo disco -Todo/Nada sigue igual, 1995- espaciamos nuestra presencia y con Discos del Amor y del Odio -gracias, Santi Rex- editamos Largo Tiempo Esperando, un mini-LP que incluía versiones de algunos de nuestros primeros maestros: Gabinete Caligari, Parálisis Permanente y Leño. Por el camino se perdieron temas que nadie o casi nadie ha oído y que tal vez hubieran encantado a nuestrxs seguidorxs, ahora que lo pienso.
Después -creo- desaparecimos de la escena pública, pero nunca hemos dejado de ensayar y tomar cervezas juntos: el grupo es la forma en que hemos vivido nuestra valiosa amistad. Con el cambio de siglo, Roberto se nos fue a Belgrado y pareció que era el fin. Ainhoa Tilve, nuestra factotum de toda la vida, fue decisiva en ponernos las pilas y sacarnos de nuestro local de ensayo: creó www.lasnovias.org al tiempo que preparábamos temas nuevos. Nacho Serrano, de Niños de Brasil -nuestro grupo hermano-, nos arrastró -¡y nosotros nos dejamos arrastrar encantados!- a su estudio Atmósfera. Ego (2009) e Invicto (2014) han salido de ahí, con Nacho como productor.

- Después de tanto tiempo dando el callo, con una trayectoria tan sólida como la vuestra, no os queda nada por demostrar a nadie. ¿Qué persiste de aquellas Novias de los primeros noventa?

No creo que el grupo haya cambiado demasiado. Seguimos trabajando esencialmente de la misma manera. Lógicamente nuestras expectativas han variado. Entonces soñábamos con hacer cosas grandes y vivir una vida de R’n’R. Ahora nos damos cuenta de que lo grande era algo muy parecido a lo que hemos conseguido y no aquellos sueños más estandarizados. ¿Hemos cambiado? Hombre, nos creemos más sabios, pero seguramente sólo somos más viejos. Cualquiera que nos conozca y le preguntes, te dirá que seguimos siendo los mismos.

- De todos vuestros trabajos anteriores, tan parecidos (en el buen sentido) y al mismo tiempo tan distintos, ¿con cuál os quedaríais y por qué?

Por cercanía, con EGO. Nos parecía y nos sigue pareciendo un disco extraordinario y sin desperdicio. Reescuchándolo últimamente tengo la impresión de que no ha perdido ni un ápice de su fuerza y frescura. Sin embargo, para la mayor parte de la crítica y el público pasó inadvertido. En nuestra tierra, nos valió el premio a Mejor Grupo del año, lo cual es ciertamente un agradable reconocimiento, pero te quedas con la sensación de que es un disco que podría haber llegado infinitamente más lejos. En todo caso, cada disco devora e incorpora al anterior y por eso -en su diferencia- comparten tantas cosas.

- Cinco años después de “Ego”, largo tiempo esperando, vuestro nuevo disco por fin está en la calle… El hecho de haber invertido todo este tiempo en hacerlo, ¿qué creéis que aporta al sonido?

En el tiempo de los relojes ha sido mucho el tiempo transcurrido, en el tiempo del trabajo ha sido menos. Bromeamos diciendo que nos ha costado dos años pero sólo los miércoles. El sistema social y económico que se nos impone a todos, no sólo te exige trabajar, sino que te demanda con cada vez más insistencia todo el tiempo disponible. El grupo nos ayuda a escapar de eso y a combatirlo, pero es complicado. Es el disco más cuidado en cuestión de arreglos y de estructuras. En las grabaciones anteriores nos plantamos en el estudio con los temas bastante definidos y acabados. En este, después de hablarlo con Nacho, decidimos darnos el lujo de hacerlo de otra manera. Llegamos a la grabación con los temas deliberadamente crudos, sin demasiados arreglos pero con muchas ideas por probar, con la intención de darles su forma final en el estudio. Hemos tratado cada tema como si fuera el “single”. De hecho, El León Enjaulado ha salido de single (“videosingle” más bien) porque la camarera de un bar, una china muy amable, sacó la boleta entre tres.


- Sacar un disco hoy en día, con la que está cayendo, se hace ¿por qué motivo? ¿Quizá hay un cierto romanticismo en la banda, no sólo en las letras sino también en el propio concepto de grupo?

Sí, nos sentimos muy cercanos a ese espíritu. Poner en marcha, mantener encendida la máquina de crear -especialmente cuando se trata de algo colectivo como un grupo de rock- es una excelente escuela. Como músicos nos sentimos absolutamente soberanos y libres y eso nos marca como personas. No rendimos cuentas a nadie más que a nosotros mismos. Hacemos las cosas -eso sí- desde un enorme respeto a nuestros seguidores. Ellos son Las Novias tanto como nosotros aunque de una manera diferente.
Respecto a editar un disco, no lo dudamos: el rock tiene un punto fetichista, nos gusta el objeto, la portada, la carne no exclusivamente el espíritu. No se trata sólo el hacer buenas canciones y colgarlas en internet: el objeto, el disco tiene su encanto y a nosotros nos gusta. Y a nuestros seguidores también.

- ¿Qué opinión tenéis de la crisis musical actual? ¿Internet está detrás de parte (o de todos) de los motivos de esa crisis o veis en este “nuevo” medio una oportunidad más que un problema?

La crisis musical actual tiene mucho que ver con los hábitos de la gente, que han cambiado profundamente y con un empobrecimiento de la experiencia inducido por el propio sistema para crear subjetividades más dóciles y sumisas a través del consumo y la reificación. En principio internet es algo maravilloso, el aleph de Borges convertido en realidad. Para gente como nosotros que nos comprábamos discos con cuentagotas a costa de ahorrar alargando indefinidamente las cervezas en los bares, el acceso a la música que te permite hoy internet hubiese sonado a ciencia ficción. Como aficionados a la música es fabuloso. Como músicos, la posibilidad de llegar a cualquier lugar inmediatamente y sin intermediarios, la posibilidad de interactuar diariamente con los seguidores es igualmente un avance extraordinario.
Sin embargo, para una inmensa mayoría de los nativos de internet la música parece haberse convertido en un mero elemento de consumo, otro más, convirtiendo la música en un producto basura que por su aparente sobreabundancia y disponibilidad ilimitada está casi totalmente devaluado. Puede que esté bien que ciertas cosas sean gratis pero eso no quiere decir que carezcan de valor, incluso que sean valiosas. Nos gusta pensar que si la gente ve la música como algo valioso va a acordarse de comprar de vez en cuando un disco o una entrada de concierto. No como quien consume un objeto-basura o una hora vacía ante el televisor, sino como alguien que hace un gesto para recordarte que lo que estás haciendo merece la pena, un guiño cómplice que te dice” joder, ya sé que el alquiler del local de ensayo hay que pagarlo todos los meses” o simplemente “me alegro de que sigáis existiendo”. En ese sentido, nos hemos convertido todos en músicos callejeros para bien y para mal.


- Decías (Toño) el otro día que “Invicto” era como un buen vino, un trabajo para escuchar reposadamente, saboreándolo… Una imagen con la que no puedo estar más de acuerdo. Sin embargo, vivimos tiempos en los que parece que todo tiende exactamente a lo contrario. Siempre a contracorriente…

Es exactamente lo que te estábamos comentando: el sistema en el que vivimos -lo llames capitalismo, espectáculo o como te dé la gana- invierte mucha energía en reducir todo a mercancía, a mero consumo intercambiable, cuanto más vacío y maquinal mejor. Hacerte dueño de tu tiempo para disfrutar de un disco, de un libro, de un paisaje, de un instante -¡o de una manifa!-, imponer tu propia velocidad a las cosas es también un modo de resistencia. Es obviamente ese público el que nos interesa. No aspiramos a ser easy listening.

- Además de lo dicho, “Invicto” es un disco bastante largo e intenso para lo que se estila, catorce temas que no son precisamente breves…

A ningún tema le sobra ni le falta nada. Han querido durar eso y nosotros lo respetamos.

- Pese a que cualquier canción de las vuestras tiene un poso muy reconocible, quizá, por esa fea manía de categorizar, se pueda decir de “Sueños en blanco y negro” que es bastante oscuro; de “Todo/Nada sigue igual”, endurecido y rockero; de “Ego” tal vez más épico… ¿cómo definiríais “Invicto” en un solo concepto?

Invicto. Ten en cuenta que esto ya lo habíamos pensado mucho antes, jajaja.

- Una de esas características que hacen vuestros temas tan identificables es la propia densidad de las letras, con una estructura y un calado tan profundo y cuidado. Incluso los títulos prometen digestiones largas y satisfactorias: Calendas de un fugaz invierno, por poner un ejemplo, propone más poesía que la que pueda haber en discografías completas de tanto “artista”. ¿Qué opináis al respecto?

Siempre nos ha gustado el surrealismo, escapar un poco de los lugares comunes y de lo narrativo, huir de la obviedad y de repetir lo ya sabido. Para eso está ya la propaganda del “es lo que hay”. Cada letra tiene su sentido propio aunque esté hecha de imágenes oscuras y parcialmente ilegibles. Hablan de sentimientos en estado puro, expresados como si no hubieran encontrado aún el lenguaje apropiado, la forma comunicable. A veces se parecen al tumulto del discurso interior asomando incómodamente en la superficie o se esfuerzan en intentar describir simplemente estados de ánimo distintos del sota-caballo-rey. En ese sentido son más realistas que la mayoría de las letras que se hacen por ahí.

- ¿Cómo es el proceso creativo letra-música? ¿Siempre ha sido el mismo o ha variado a lo largo de estos años?

Siempre hemos compuesto nuestros temas de manera parecida: ensayando en el local. Cada vez trabajamos menos con ideas previas. Primero viene la música y después la letra pero después puede volver a variar la música. Nadie piensa las canciones por separado, dejamos fluir juntos las ideas hasta que la canción va emergiendo de entre el ruido. Muchas veces hemos comentado que resultaríamos bastante inútiles y anodinos por separado o en cualquier otro grupo.

- ¿Podríais (y querríais) en pocas palabras describir cada tema del disco?

Buff, tú lo has hecho muy bien en la crítica del disco.

LasNovias_Invicto_HiRes- El diseño (precioso) del disco está también muy cuidado…

Puestos a hacer un objeto, seamos respetuosos con la estética. Lo que decimos de la música y de la secreta y automática complicidad que nos une vale también para Ainhoa Tilve que es la que se encarga de dar forma final a la imagen del disco.

- Las veces que he tenido ocasión de veros en directo (desde aquel lejano concierto en el Revólver (¿1994?) hasta la Semana Gótica de Madrid de 2011 habéis demostrado un sonido demoledor en vivo. Sin embargo, me da la sensación de que os prodigáis muy poco…

Nuestro tal vez equivocado sentido de la honestidad nos sugiere no importunar al público con una sobredosis de actuaciones, aunque es cierto que a veces nos pasamos de frenada. Realmente nos gustaría tocar mucho más pero no siempre es posible. No tenemos mánager y cuando lo hemos tenido tampoco variaba mucho la situación. Somo un grupo “de culto” en el sentido que gustamos mucho a un número relativamente reducido de seguidores y muy concentrado en Madrid, Barcelona y Zaragoza. Siempre decimos que nunca nos han llamado de Huesca para tocar!

- ¿Diríais que un concierto en directo es la mejor forma de disfrutar de vuestra música? ¿Qué parte de vuestro trabajo consideráis más importante, el trabajo en el estudio o los conciertos?

Bromeamos con el hecho de las muchas horas y esfuerzos que ponemos en hacer el disco perfecto, los arreglos, doblar guitarras, bajos y voces... y después, en directo, batería, bajo, guitarra y voz y ¡la gente dice que suena mejor!. Desde luego es un elogio brutal. Tratamos de que nuestros directos sean intensos y nosotros vivimos como un acontecimiento cada uno de ellos. Respecto a la otra pregunta, ya sabes lo que te vamos a responder. A la pregunta de qué es mejor si el instante o lo que permanece, la respuesta ni es fácil ni puede ser obvia.

- ¿Cuándo tenéis pensado empezar con la gira de Invicto? ¿será de forma más o menos inmediata o vais a esperar que el disco se “asiente” un poco?

Más bien lo segundo. Dejamos los conciertos para después del verano, aunque nunca puede descartarse una sorpresa. Queremos que la gente que acuda a nuestro próximo directo disfrute con cada tema del último disco y creemos que para eso hace falta dejar correr un poco el tiempo.

- ¿Qué planes de futuro tenéis?

Ninguno en especial, aunque sabemos que en algún momento habrá que dejar la música para hacer la revolución.


Para terminar, como venimos haciendo últimamente, quiero haceros tres preguntas (también más frívolas, todo hay que decirlo, en el caso de que las anteriores no lo fueran ya bastante).

- De todo el montón de canciones que habéis hecho en todos estos años de carrera, ¿qué tres escogeríais?

Yo (Óskar) te diría que “Eclypse” es una canción superlativa y que sólo una selecta minoría lo sabe. Pero la pregunta es irrespondible.

- Estamos seguros de que un buen número de bandas y de canciones os han influenciado… ¿Qué tres canciones de otros grupos os habría gustado escribir si hubierais podido hacerlo?

¡Cualquier respuesta sería falsa!

- Aparte de las tres anteriores y además de las versiones que ya habéis realizado anteriormente, ¿qué otras tres os gustaría versionar?

Ni idea, ¿En alas de la mentira de Radio Futura?

¡Muchas gracias por todo!

YABANCI: Grimorium (SwissDarkNights 2014)

Ya decía, con motivo de la aparición de Birth (el EP debut de la banda de hace unos meses), que Yabanci era uno de esos escasos ejemplos actuales de clasicismo evolucionado; de cómo con un puñado de temas (en el caso del EP eran solo siete) se puede demostrar originalidad sin perder la raíz; de por dónde van los tiros en ese nuevo rock gótico que bebe del antiguo pero que incorpora sin rubor alguno elementos que nunca le han sido realmente ajenos pero que tampoco antes (o no tanto) se habían incluido con tamaña soltura. Decía también que era pronto aún, que sería necesario esperar un poco (tal vez un directo, quizá un disco más largo) para confirmar lo que el EP apuntaba. Pues bien, Grimorium es la constatación. Si Birth planteaba preguntas, en Grimorium están las respuestas. Si no todas, que el tiempo seguirá –esperamos- dando y añadiendo razones, si una gran parte. Y eso que recupera los temas del EP, con modificaciones, mejorados, bastante cambiados en algunos casos, pero aun así, en lo que se ofrece como novedad novísima está también toda la esencia, todo el grueso de lo que los italosuizos pueden aportar. Hablaremos de ese puñado de temas nuevos que complementan perfectamente los ya conocidos.

Birth abría el EP y profundamente modificado, abre también el LP. En este caso bajo el nombre de Birth – Procession – Legemeton. Configurando una cierta trilogía que coincide en su primera parte con el EP pero que la amplía, la triplica. El comienzo me recuerda muchísimo a los franceses Lucie Cries, en el bajo profundísimo (Shino sentando cátedra, otra vez) y la guitarra cristalina por encima, con los parches pesados detrás y el buen gusto por todos lados. El trozo denominado Procession (como si de una minicanción se tratara) cambia el tempo, entra la siouxsiana voz de Ladyghost y un escalofrío te recorre la espalda. Ya comentaba en su momento que la reverb disfrazaba un poco el parecido tímbrico entre las dos cantantes y que no parecía una similitud forzada. Desde esta canción, aun siendo la primera, lo vuelven a dejar claro. Influencias sí, imagino. Personalidad y originalidad también. Birth – Procession – Legemeton, tres temas en uno, un clásico moderno. Ars Nova es prácticamente la misma que la del EP. No añadiré nada a lo ya dicho. Solve Et Coagula es uno de mis cortes favoritos. Aires deathrockeros bastardos de oscuridad postpunk. La voz y las guitarras de nuevo protagonistas. Casi cinco minutos de canónicos sonidos, de esos que no te cansas de escuchar. Anticipan The Covenant y The Bless que ya están también comentadas. Empiezan parecidos, con aires nephilianos rotos de nuevo por Ladyghost, se desarrollan por distintos derroteros. Como The Bless o Fear, de las que todo fue ya dicho también. Vaya, amigo, tendrás que leerte también la del EP… The Absolute, cambia un poco, limpia su sonido, se hace más translucido, sin tanto óxido en las cuerdas (ni en las seis ni en las cuatro). Otra e mis favoritas. The Deep es exclusiva de Grimorium. Esotérica como el resto, cambiante, hipnótica. Te engancha y se te retuerce el alma al degustarla, oscura, desgarrada y pura como el puto infierno. Como se clava esa guitarra, duele siendo placer. O tal vez por ello. Vision, otra de las novedades, tampoco deja indiferente. Mantiene el sello en las melodías, Yabanci no inventan nada, hacen lo que saben, saben lo que quieren, quieren lo que logran transmitir. ¿Para qué más? El pulso mantenido del primer al último corte, la extraña sapiencia oscura, el saber nadar y guardar la ropa. Demostrando, disolviendo dudas, desterrando prejuicios. Y eso que estamos ya terminando la degustación. Tan solo nos queda Last Page, en este caso en estudio (era en directo la versión del EP). El tema gana en complejidad, en arreglos, en profundidad, pierde (obviamente) la frescura de la interpretación en vivo. La a ratos dulce, a ratos hiriente melodía aguda de la guitarra de Valerio hace el resto. Por donde marca el paso Klark, no sé si crecerá de nuevo la hierba o no, pero vamos. Que un tema siendo instrumental (y partiendo de que ya hemos hablado largo y tendido del buen hacer de la vocalista, la señora fantasma) cierre un CD magnífico y no se eche de mens esa voz… dice mucho de la pieza escogida. Perfecto final.

La promo que hemos recibido no incluye las remezclas que a modo de bonus track se incluyen en el CD físico (a cargo del ínclito Oskar Terramortis) por lo que no podemos comentarlas. Sólo decir, tan solo, que no son necesarias para concluir que Grimorium es un discazo y que Yabanci vuelven a sugerir la importancia que el tiempo les otorgará (estoy convencido) en esto del rock oscuro, siniestro, gótico o como te dé la gana llamarlo. Es lo de menos, lo de más, las canciones. Aquí tienes unas cuantas. Sé que sabrás disfrutarlas.

Ya sabes que puedes escuchar y comprar Grimorium en: http://swissdarknights.bandcamp.com/album/birth 
O a través de laletracapital por correo o facebook


NOMADA SESSION 19: SABADO 26 DE ABRIL DE 2014: OFFICIAL RELEASE PARTY "REMIXES THROUGH TIME", DE THE EMPIRE HIDEOUS

9/4/14

NOMADA SESSION 18: SABADO 14 DE ABRIL DE 2014




LAS NOVIAS: Invicto (A La Inversa Records Reloaded & La Ley Seca Rock Pub 2014)

4/4/14
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El otro día me invitaron a la fiesta de presentación del nuevo disco de los maños Las Novias y, claro, no podía decir que no. Ya de por sí la propia fiesta en sí era interesante, cuánto más si encima era una ocasión de escuchar en primicia (o casi) el nuevo disco. Porque sí, amiguitos, cinco años después de Ego, ya está Invicto disponible. Catorce temas que se dice pronto, algunos bastante largos y la promesa de que, como con los discos anteriores, ganarán con las escuchas. Catorce temas complejos, estudiadamente barrocos, cuidados hasta el paroxismo perfeccionista en estructura, rítmica, armonía y letra. Nada más y nada menos. Catorce piezas con la épica justa, la oscuridad medida, el sentimiento impreso. En fin, nada que no os suene si escuchaste Ego (o cualquier otro de los anteriores) o si simplemente os gusta el grupo. No sé si estamos ante el mejor de los cuatro discos largos de los de Zaragoza. Tampoco me preocupa. O no demasiado. Sigue leyendo, verás a que me refiero.

Con el digipack en la mano, lo primero que llama la atención es el diseño. Tres paneles negros con el logotipo de la banda en hierro en la portada. Aspecto antiguo, como si hubieran pasado muchos años por él pero se mantuviera indemne, a pesar de todo. Como el propio grupo supongo, que tras más de un cuarto de siglo de carrera y carretera, siguen intactos. Más mayores, claro, pero también más sabios. Con una cierta pátina, como la portada. Negro y plata. Un completo libreto con las letras y el cd en sí. Con cierta ceremonia. Play.

Invicto, dando nombre al trabajo, abre fuego. Inmediatamente trae consigo la influencia cultera, Ian Astbury en la cabeza. Pero, obviamente, el desarrollo es otro, queda la referencia como un (poco velado) homenaje. Y lo de abrir fuego no es, en este caso, un tópico. Es un tema caliente, abrasador. Te mete de golpe en lo que, será, todo el ambiente del disco. A guitarrazos secos y bajos contundentes. Como establece el rock, como dictan Las Novias, de toda la vida. Rock por prescripción facultativa. Casi. Rápido, se nos acaba el tiempo. Declaración de principios. El que ha sido segundo single (y videoclip), El León Enjaulado, no puede dejar indiferente a nadie. Ensillo mi alma y abandono este arenal. Inspirados como ese verso. Demostrando que si alguien tenía alguna duda, estaba en un error. Mayúsculo. Pero hay más, mucho más. Hypnos se te queda dentro durante un buen rato. Es una de esas canciones que gustan desde la primera escucha, que gustan más con las siguientes, pero que no necesitan larga digestión. El mundo de los sueños se mezcla con la realidad. Narcotizante atajo irreal. Seguimos con una de mis preferidas: La Bóveda Hundida De Las Retinas. Sobran palabras. En realidad es justo al revés, me faltan para poder describir con un mínimo de precisión lo que me emociona escuchar este tema. Me siento como un neurocirujano intentando hacer mi trabajo con un bate de béisbol. Contundente pero poco efectivo, el bisturí de madera. Puede que sea por los constantes cambios de ritmo (la culpa es de Pedro, la culpa es del bajo, grita una vocecilla en mi cabeza). Puede que por la poesía que destila cada frase. No lo sé. Pero la estaría oyendo todo el tiempo, como me pasa con Yugular, sin ir más lejos. Mucho más dura en todos los sentidos, es rock puro, oscuro y denso. Novias en estado de gracia. El regalo envenenado que me queda por abrir. Destaca además la producción, Nacho Serrano mediante, que abre la canción en canal y llega lejos, mucho.

Radiocontrol es un clarísimo single, una de esas que no tarareas porque la cantas a voz en grito y no sólo por el estribillo latiendo al ritmo de la transmisión. Sin embargo la escogida para hacer de presentación del disco (y primer videoclip) fue Postales Envenenadas. Que no es peor, sin duda. Para nada. Aunque sí un poco menos coreable; también menos obvia. Somos piezas de ajedrez de un embuste teatral. Ochentera, rítmica. Cojonuda. Seguimos en los ochenta con Calendas De Un Fugaz Invierno, aunque algo menos (Luismi, esa batería es más moderna). A mí es de las canciones que más me recuerdan a Ego, no sé la razón. Imposible otro lugar. Venial destaca los innumerables registros de la garganta de Toño y termina siendo otra declaración de principios: Cuando no te mire a los ojos, es señal de que algo no anda bien. Aires pop del bueno. No exento ni mucho menos de fuerza. Me encanta Claroscuro. Muy maña. Sí. Ya sabes. Acaso imploro en vano abrir mis ojos y esperar. Que se dice pronto. Extraordinario el talento lírico. Elegancia extrema en toda la pieza. Pegadiza además. Mucho. El Atlas De Un Corazón Escéptico. El peso de la trayectoria se nota en cada acorde de la guitarra de Oskar. Muy Novias toda. Especialmente la segunda parte, la más rápida. Montones de silencios que andan despistados por la vía y acercan sus oídos al raíl. Poco que añadir. Bokeh. Otra pegadiza. No siendo de mis favoritas, me puedo pegar tres horas chillando el Cuando esté muerto, despertadme; cuando despierte, desterradme. Gana sin duda la canción al desarrollar y decir que no es de mis favoritas no significa que no sea buena, es buenísima. El problema es la comparación. Algo parecido a lo que sucede con el único “respiro” del álbum: De Un Sorbo Amargo. Una preciosa lenta de esas épicas que bordan los zaragozanos. Sería todavía más perfecta si lo de alrededor no fuera tan tan bueno. Siéndolo, queda como una maravillosa pieza dulce y romántica (en el buen sentido, el del XIX), de ocho y medio sobre diez. ¡Joder, que ya es! Raíz secreta en mi bahía. Seis minutos y medio de beldad hecha armonía, en definitiva. Cielo De Medio Punto cierra Invicto. Nadie echará de menos la distancia… Esta sí necesita varias escuchas para enganchar. Luego no te suelta, pero reconozco que no me dijo mucho la primera vez que la escuché. Llamadme loco pero pienso además que sólo ya el incluir el adjetivo áureo en una letra debería ser motivo de compra obligada. De toda la discografía.

Queda quizá la sensación, releyendo las líneas anteriores de que Invicto es un disco irregular. No lo es. Es un magnífico disco, repleto de estupendas canciones. Es una clarísima demostración del buen hacer del grupo, es un resumen de veinticinco años largos de carrera. ¿Es su mejor disco? Ya decía al principio que no me preocupa en absoluto que lo sea. Aunque podría serlo. Al fin y a la postre, Quien no se rinde brilla Invicto…

LA BROMA NEGRA PRESENTA SU NUEVO DISCO EN MADRID

31/3/14



NOMADA SESSION 17: SABADO 29 DE MARZO DE 2014. PATANEGRA GRAN RESERVA MIXTAPE SERIES VOL I

18/3/14



K-BEREIT + LAUREATE SKY EL 17 DE MAYO EN MADRID




FIESTA DE PRESENTACIÓN DE "INVICTO", NUEVO DISCO DE LAS NOVIAS, EN MADRID

13/3/14

Para dar a conocer el disco y compartir con sus seguidores la salida del nuevo trabajo, la banda ha organizado una fiesta de presentación en Madrid.

En ellas, los asistentes, además de poder comprar el disco y el nuevo merchandising, tendrán ocasión de intercambiar impresiones con los miembros de la banda.

MADRID Sábado, 29 marzo, 21 h.
Stigmata Gothic Club. (c/ Fomento, 16. MDD).
Metro: Pza. España, Callao y Sto. Domingo.
Entrada libre hasta completar aforo. Aforo limitado.

 Con la colaboración de Melodías de Sombras.

 NOTA: El grupo no va a tocar en directo.

www.lasnovias.org


FIESTA DE PRESENTACIÓN DE "INVICTO", NUEVO DISCO DE LAS NOVIAS, EN ZARAGOZA


Para dar a conocer el disco y compartir con sus seguidores la salida del nuevo trabajo, la banda ha organizado una fiesta de presentación en Zaragoza.

En ellas, los asistentes, además de poder comprar el disco y el nuevo merchandising, tendrán ocasión de intercambiar impresiones con los miembros de la banda.

ZARAGOZA Jueves, 27 marzo, 20 h.
LA LEY SECA ROCK PUB (c/ Sevilla, 2).

Entrada libre hasta completar aforo. Aforo limitado.



www.lasnovias.org


CABEZALÍ: Pequeño y Plateado (Origami Records2013)

Cabezalí (Manuel) es o debe ser un tipo francamente ocupado. A sus actividades principales como guitarra, voz y compositor en Havalina, une un sinfín de colaboraciones con otros proyectos), como músico (Russian Red, la Rosenvinge, The Cabriolets entre muchos y como productor (October People, Boat Beam, Edredon, Rufus T. Firefly, His Majesty The King…), si es que es distinto. No contento con ello y precisamente ahora que a Havalina (con “H”) les va mejor que nunca, ahora que se han hartado (entre comillas) de tocar por toda la geografía española y parte del extranjero, ahora que todo son críticas buenas y alabanzas a los de píxico nombre, ahora precisamente decide dar salida a un disco en solitario. Un disco donde plasmar, supongo, todo lo que no tiene cabida en su banda, un disco donde dejar claro por dónde van los derroteros en esa privilegiada cabeza que parece darle el apellido. Un disco, resumiendo, donde ser simplemente Manuel Cabezalí, que parece poco pero no lo es en ningún caso. Y así ha de ser, ya desde el título. Pequeño y Plateado, como una de las canciones que contiene y, si hemos de hacer caso a lo dicho en alguna entrevista, como uno de esos peces sencillos y bellos, no tan famosos como sus enormes primos (los grandes de cualquier color) o como sus otros parientes (los de cualquier tamaño y mil colores). Un pez humilde pero precioso. Como debe ser la persona a la que va dedicada la canción, presumo.

Pequeño y Plateado recuerda inmediatamente a los seminales Havalina. La peculiar voz de don Manuel, la riqueza poética de las letras, incluso la estructura interna de las canciones, es lo suficientemente parecida como para saber en cada preciso momento qué es lo que estás escuchando. Por otro lado, es un disco tan ausente de electricidad, tan falto de distorsión, tan desnudo… A lo mejor al leer esta última frase te ha surgido la tentación de creer Pequeño y Plateado falto de fuerza, carente de energía. Nada más lejos. Cometí el error en la primera escucha de cebarme mentalmente con que este delicado compendio de canciones era (como en aquella infausta época en la que le dabas una patada a una piedra y te salía un unplugged) otro acústico más. Otro desvarío de guitarra y voz, taaaan bonito como… sí, como eso. Y su responsable otro desfasado que en una especie de sublimación de lo indie, en una catarsis de lo hipster, se había convertido en el enésimo cantautor desgarrado y folkie. No podía estar más equivocado, claro, si no no estarías leyendo esto. Las doce canciones que llenan el CD son acústicas, sí. Son desgarradas, también. Ya decía antes que desnudas (pese a contar con percusiones variadas y con colaboraciones como el cello de Aurora de Boat Beam). Pero lo que hace este disco especial es que siendo todo eso, estando apoyado casi completamente en la voz y la guitarra de madera del señor Cabezalí, es un trabajo tan definitivo y tan personal como lo mejor de Havalina. Lo retorcido de las letras, el apoyo de las cuerdas, la sensación de que cada canción es un trocito de alma están ahí. De nuevo, otra vez, van no se cuantas ya, se demuestra con cada tema la importancia de la canción por encima de todo. Especialmente si hablamos de composiciones que rozan lo sublime, como es el caso. Todo lo demás es adorno, bonito sí, pero innecesario. Todo lo demás, vanidad.

Así, destacar canciones es tan injusto como fútil. Decir que Humo Fuera es mejor o peor que Sombras es absurdo. Subrayar si Pequeño y Plateado es superior o no a La Estancia no tiene ningún sentido. Este es un trabajo donde cada pieza, en mi opinión, tiene su momento, cada trozo su bocado. Hay días que me estremezco más con Planes, otros con El Encontronazo. Hay días que la letra de la Nana Para Un Gato Enfermo me encanta o me desasosiega para mal, sin solución de continuidad. Hay otros en los que Amor Felino se convierte en la banda sonora perfecta. En fin, hay momentos como hay canciones, es lo que sucede, ya sé que me repito, cuando las canciones son Canciones. Y aquí hay doce, nada menos.


SESIÓN DE PROFUNDIS 5 DE ABRIL DE 2014



READERSHIP HOSTILE: Readership Hostile EP (Readership Hostile / TuneCore 2014)

12/3/14
De todos es sabido que la costa californiana es un hervidero de músicos y tendencias varias dentro de la escena más underground. Alice Cooper, Iggy Pop, David Bowie, T.Rex y New York Dolls (entre muchos otros), fueron marcando a los creadores de éstos sonidos, y desde los primeros Christian Death, y 45 Grave (por citar sólo a dos) se han ido sucediendo multitud de bandas que han seguido la estela marcada por los pioneros.

Una noche, un amigo me descubrió a esta banda. Había oído hablar de ella en actuaciones en US, compartiendo cartel con otras bandas del género que me apasionan, pero nunca me había puesto a buscar información sobre ellos. La visión de ese video me hizo comenzar a investigar… Desde entonces hasta ahora, que conforman uno de los grupos que más me interesan en la actualidad.

READERSHIP HOSTILE son una banda de Los Ángeles formada allá por el año 2008 orientada principalmente al directo. Desde entonces se han producido algunos cambios en la formación original y por fin, en este año 2014, se han decidido a publicar su EP de debut que contiene seis temas espectaculares y que reflejan fielmente cómo se muestra la banda en vivo. Anteriormente habían participado en algunos recopilatorios (Various - Zoundbies Vol.1 – 2009 y Various - Darkness Before Dawn Volume 3 – 2011) aportando temas que no han sido incluidos en este EP.

En su formación actual participan Benn Ra (guitarra), Christian Omar Madrigal Izzo (batería), Adrienne Pearson (voces) y Paul Rogers (bajo), músicos con una larga trayectoria y experiencia en otras bandas. Como guinda, Bari Bari ha participado en la producción del disco, lo que proporciona una garantía extra al disco antes de escucharlo, conociendo el buen hacer de éste músico por su larga trayectoria.

El disco se abre de manera espectacular con “Shadows of Pure Delight”,uno de los mejores temas de todo el disco y que refleja perfectamente esa mezcla de Death Rock, Gótico y Punk primigenio, tal y como ellos definen su música. La potente y peculiar voz de Adrienne es la base fundamental en las seis piezas, de entre las que destacaría (por destacar algunas en especial, ya que el conjunto que forman todas ellas resulta sumamente atractivo) “Snowflake on My Tongue” y “Failing Fools”. Ritmos frenéticos en ocasiones, la visceralidad y potencia clásica del Death Rock americano y la atractiva voz de su cantante en todos y cada uno de los temas, generan un coherente trabajo y que este EP se haga realmente corto y nos deje con las ganas de seguir escuchando más…

Esperamos que no se queden aquí y que sigan trabajando para sacar en breve un disco completo que suponga su definitiva confirmación como banda dentro de la escena.

En definitiva, un disco imprescindible para todos aquellos a los que les gustan bandas como Fangs on Fur, y Christ vs Warhols o los ya ¿desaparecidos? Scarlet`s Remains.

Sin ningún lugar a dudas, un 9 sobre 10.

Texto: Jesús Der Erzengel


BEYOND SENSORY EXPERIENCE: Faint (Cyclic Law 2013)

10/3/14
Lo nuevo de los suecos Beyond Sensory Experience se editó a finales del año pasado en un bonito digipack limitado a quinientos ejemplares con libreto de doce páginas y todo el cuidado y esmero que la gente de Cyclic Law pone en cada una de sus publicaciones. Faint es el nombre que recibe y en la hora que dura demuestra, otra vez, el buen hacer de este proyecto escandinavo (dúo) del que ya hemos tenido que alabar discos en anteriores ocasiones (la última, a mediados de 2012, también vía los canadienses de Cyclic Law). En este caso, la temática elegida es una suerte de visita a los fantasmas del pasado, esos que son capaces, por sí mismos, de crear recuerdos para el futuro. La manera de “expresarlo”, la habitual en el dúo: paisajes oníricos, ambientes, samples, voces más o menos etéreas o más o menos deshumanizadas y, por supuesto, buen gusto y talento a raudales. Son maestros en la creación de horizontes sonoros, manejan las texturas sónicas a la perfección y te sumergen (vaya si te sumergen) en ese complejo mundo que podría asemejarse al de los sueños, si no fuera porque sabes que no es así. Ese extraño mundo personal, intangible, inaprensible dominado por una mezcla rara de realidad y fantasía, con el acicate de no saber nunca que es cada cual, dónde acaba una y comienza la otra.

De alguna forma, Faint se desarrolla en una especie de duermevela, en esa sensación constante de estar dormido y despierto al mismo tiempo, ese momento en el que se te ocurren las mejores ideas (que luego quedan en nada) y en el que tu cuerpo parece sumergido (de nuevo sumergido), flotando en medio de ningún sitio. Esa curiosa sensación acuática, espacial incluso, en la que pareces flotar sin rumbo, un poco a la deriva incluso. Una sensación puramente mental, más allá de la consciencia, como ya hemos dicho otras veces, más allá de la experiencia sensorial. Soy consciente de que repito descripciones ya “utilizadas” en otras ocasiones. ¿Significa esto que Faint es otro disco más, siquiera en la ya extensa discografía de BSE? No, en absoluto. Lógicamente si te gustaron Modern Day Diabolists o The Dull Routine of Existence (por ejemplo) te va a gustar éste y si no, no creo. Pero cada uno de los discos de este dúo tiene algo, en ocasiones bastante impalpable todo hay que decirlo, que lo hace especial. En el caso del que nos ocupa puede que lo distinto, lo especial, ese “algo” tan tenue sea tal vez la profusión de elementos diferentes, realmente perturbadora en algunas ocasiones, tomados de tantos sitios; tal vez sea la bastante nítida (para lo que suele ser norma en este tipo de proyectos) separación entre temas; quizá sea la intención de desarrollar esos ambientes tan atmosféricos a diferentes niveles de profundidad; o quizá por el contrario sea el dotar los temas de una elegante sencillez que esconda una mayor complejidad, haciéndolo no más asequible pero sí más fácilmente digerible. No lo sé. Pero lo que sí sé es que lo escucho y con cada estremecimiento me convenzo más de que estoy ante una obra capital, ante un disco que, para mí, marcará un antes y un después en la carrera de Beyond Sensory Experience, un punto de inflexión en la prolífica obra tanto de Jonas Aneheim como de K. Meizter, en este y en otros proyectos. Un disco oscuro, una obra excelsa de música casi instrumental, ambiental, tenebrosa y melancólica a partes iguales. Una obra de arte, claro de Arte con mayúscula. ¿Difícil? Puede, aunque menos que otras muchas. Pero, ¿qué sentido tendría el arte si no costara al menos un poco? ¿De qué serviría? En este caso, esa dificultad de acceso (insisto, relativa) garantiza un montón de tiempo de disfrute, un montón de escuchas y de placer al realizarlas. Mucho más que en propuestas más convencionales.

MONICA RICHARDS: Kindred (Danse Macabre 2013)

5/3/14
coverDecepción, posiblemente sea la palabra más repetida entre los que hemos tenido ocasión de escuchar Kindred (y comentarlo después, claro). Decepción pues todos (creo) habíamos quedado maravillados, imagino que en diferente grado pero bastante en cualquier caso, por el fantástico Naiades y por el magnífico Infrawarrior. Kindred se había gestado mediante crowdfunding y ya desde el primer momento prometía mucho: Edición muy cuidada que incluía dvd y un montón de fotos, digipack de gran formato… Musicalmente la Richards se decantaba por los aires electrónicos de la vieja escuela, además de incluir un montón de sonidos naturales procedentes de los distintos animales que viven en el refugio que ella misma construyó para ellos. Murciélagos, cigarras, ranas, diferentes clases de pájaros, aleteos y también el sonido del trueno y la lluvia. Es una especie de homenaje a todos los animales que han inspirado a Monica a lo largo de su vida. Para terminar de completar las buenas sensaciones presagiadas, la musa se ha rodeado de un gran número de colaboradores de probada solvencia, entre otros, Marzia Rangel, Steve Niles, Paul Mercer, Steve Willet, Carolina Jago, su gata Penélope (“toca” el pianoen el tema del mismo nombre)… todo apuntaba que Kindred sería un grandísimo disco. A la altura de los citados, si no más. Y tal vez lo sea. Tal vez se me escape algo y Kindred sea un trabajo al nivel de lo prometido, pero, lamentablemente, no me lo ha parecido. No porque esté en gran parte basado en la electrónica antedicha, es lo de menos. No porque las composiciones sean malas, no me atrevería a decir que lo son. Simplemente le falta “gancho”. Le falta eso que diferencia una canción normal de una obra maestra, eso que distingue una composición “decente” de una que realmente te impresione en cada escucha. Eso innombrable, que es como un regusto, como una sensación en la piel, no sé si me entendéis Llámalo punch, llámalo como te dé la gana, yo no sé ponerle nombre pero, eso sí, intentaré explicarme.

Kindred, decía, probablemente no sea un mal disco. Es un disco flojo (muy flojo) para el nivel habitual de la Richards, que podría parecer lo mismo pero no lo es. La sensación –escucha Fall, por ejemplo, o 50 Euro Boy- que deja es un poco como sucedía con The Burning Season (Faith and the Muse) las primeras veces que lo oías, un regusto a experimento fallido. Una general impresión de que se intentaba transmitir determinadas sensaciones y o bien se confunde la vía o bien se falla el objetivo. Kindred se abre con la pieza homónima, tal vez la más salvable de todo el CD, una de las pocas “reconocibles” con su voz etérea habitual (sin letra) y la percusión marcada. Una de las pocas que mantiene las expectativas creadas. Monica canta como nunca, es decir, como siempre. Eso es algo que evidentemente se repite en cada tema, la voz sí mantiene el nivel, no se ha perdido. El problema (de haberlo, que no lo tengo muy claro, a lo mejor es cosa mía) es musical. No porque esté mal interpretado, sino porque el estilo escogido, bastante plano, no hace justicia a lo que se espera de ella. Esa electrónica tranquilorra, ambiental, casi chill out de ese (destrozar Sparks no ayuda nada, ciertamente), no cuadra en absoluto con lo que esperas escuchar cuando te acercas a una artista de estas características. Lo que intenta ser crudo se queda en poco cocido, lo que pretende sonar desnudo, se queda falto de fuerza, los intentos de transmitir belleza, se quedan en eso, en intentos. De verdad que he intentado acercarme al álbum desde diferentes estados de ánimo, he intentado ver si ganaba con las escuchas, pero debo decir que, tras un montón de ellas, sigue sin llegarme, sigue sin tocarme el corazón o, por lo menos, sigue sin hacerlo como lo ha hecho esta artista tantas y tantas veces. Kindred es un disco correcto, sin nada que lo haga destacar. Un disco bien hecho, cuidado, bonito, pero sin “alma”. No transmite como otras veces. Y es una pena, una verdadera pena.

ANGELS OF LIBERTY: Pinnacle Of The Draco (Gothic Music Records 2013)

Gothic Music Records sigue poco a poco completando un “fondo de armario” de lo más apañado. Tras editar varios de los más estimulantes trabajos dentro del gothic rock purista a lo largo de todo 2013, terminan el año reeditando de una forma un tanto especial el Pinnacle Of The Draco de los británicos Angels Of Liberty. Lo hacen (la edición que comentamos) en doble CD con nuevo artwork y un estupendo libreto de veinte páginas. Musicalmente difiere del original en la ausencia de las dos tomas de Girl Under The Water y en la presencia de los remixes (por el propio capo del sello, Oskar Terramortis) de Monster In Me (feat. Nino de Aeon Sable) y de Talk About Nothing además de la demo de Ritual & Tradition (inédita hasta la fecha). En definitiva, una nueva muesca en el revólver del sello que está empeñado en convertirse en referente gótico más pronto que tarde. Pero vayamos con el doble disco en sí.

Ya dije en su momento a modo de frase promocional que Pinnacle Of The Draco era Gothic Rock atemporal para todo aquel al que los noventa le duraron solo diez años. Guitarras poderosas, voces profundas, bajos demoledores, ritmos desquiciados… Probablemente no sea el mejor disco de la historia de la música, pero escucharlo te va hacer sentir como si lo fuera. Y por supuesto lo mantengo. Los diecisiete cortes del doble CD lo atestiguan, cada uno de ellos. Cadencias rítmicas oscuras, voces graves y llenas de épica, guitarras y bajos contundentes, los ingredientes comunes al género que, sin embargo, tan pocas veces tienen el nivel requerido. Yendo tema a tema, corte a corte (me saltaré no obstante los que ya comenté con motivo de la reedición de los EPS The Black Madonna y Monster In Me, allá por el mes de octubre y cuya reseña podéis leer aquí), todo se inicia con la estupenda Talk About Nothing. Recuerda invariablemente a los Rosetta Stone más inspirados. La reverb de la voz, la caja de ritmos… gótico clásico en estado puro. Eat The Sun y Dead Tormented son un poco más electrónicas aunque mantienen el sonido 100% noventas. Ya sabes, no en vano la década entera supuso la explosión de aquella sabia combinación de guitarrazos y teclados, de voces profundas y cajas de ritmos más bailables. Una mezcla que arrasó Alemania y que terminó contagiando a toda Europa. Para bien, claro. Un estilo que había quedado un poco olvidado pero que el dúo ha sabido resucitar y devolver al lugar que nunca debió abandonar. Tras Weaving Spiders y Monster in Me (lo dicho) suena Complicated. De nuevo el teclado preponderante, la voz filtrada… no es de mis favoritas aunque reconozca que no desentona, está bastante bien. Man Of Sin comienza más lenta, más oscura, como unos Tors Of Dartmoor redivivos. Uno de esos temas que no cansan, una de esas letanías vocales que se te quedan en la base de la espalda. El remix (con la participación de Nino Sable) de Mr. Terramortis de Monster In Me proporciona nuevos matices a una de las canciones que más me gustan de los británicos. La voz gana en terciopelo y la mezcla, en general, en transmisión. Un acierto que cierra el primer CD.


El segundo disco empieza fuerte con Dance Of Death (Part I), preciosa intro de minuto y pico a base de sabia tecla y genial ambientación. Un aperitivo de la supergótica Blood Thief (ya comentada) y de uno de los platos fuertes de la reedición: la inédita Ritual & Tradition (en versión demo). Menos “Nosferatuizada” que la anterior, está en la línea de lo comentado hasta ahora. Los noventa revisitados, resucitados, vueltos a la vida (si es que estaban muertos que lo dudo mucho). Esos noventa siniestros, románticos en el buen sentido, trágicos. Inspirada canción, preciosa letra y un fenomenal desarrollo. No sé como será la versión final, pero esta demo es estupenda. Kukulkan da otra vuelta de tuerca, desde el piano inicial hasta el propio ambiente de todo el tema. Reminiscencias de inspiración sumeria (ya sabes de quien te hablo), de algún modo mantenidas en Starsailors, aunque esta es más sisterciense. Primera época además. En conjunto, dos temazos. Mars & Minerva y Black Madonna ya están comentadas por lo que llegamos a Dance Of Death (Part II), radicalmente diferente a la primera parte, con menos satén y más chorrera. Prefiero la otra pero esta no está mal, nada mal. Y terminamos con el remix (también a cargo de Oskar Terramortis de Talk About Nothing. Aquí si debo decir que prefiero la “versión original” porque esta nueva visión le pule aristas a la otra, la hace más suave, corta menos. No es mala idea, pero me gustaba el filo que tenía la primigenia… cuestión de gusto solo. No la destroza, lo que visto lo visto en cuestión de remixes, ya es un acierto en sí mismo.

Angels Of Liberty ya eran una banda de culto indiscutiblemente antes de reeditar este PotD, ahora no lo son más, pero sí que demuestran y confirman por qué lo eran. Repitiéndome. No es el mejor disco de gótico clásico de la historia de este palo, pero lo importante es que te deja el mismo sabor que si lo fuera. Esperaremos nuevas sensaciones de parte de Voe y Scarlet. No dudo de que agrandaran la leyenda…

Como bien sabes, este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O también enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com. Y deberías hacerlo.

ANTONIO ARIAS: Multiverso II - De la soleá de la ciencia a la física de la inmortalidad (Autoproducido 2013)

4/3/14
Las estrellas son pupilas: nos permiten mirar a los ojos al Universo. 

Con cierto y deliberado retraso hincamos el diente ahora a este Multiverso II, tan hijo de aquel fantástico Multiverso I como evolución natural del mismo. El retraso se debe, fundamentalmente, a que las nuevas composiciones del señor Arias (no todas, las hay que ya desde la primera escucha enamoran) necesitan de una imprescindible digestión para poder ser disfrutadas plenamente. No son canciones de usar y tirar (nunca lo son), de esas que entran con la misma facilidad con la que salen. Son temas complejos, elaborados, en ocasiones apuntan tan alto que sin pausadas y numerosas audiciones, se hace francamente difícil disfrutarlas. Por fortuna –y porque sabemos de la intención y el “arte” de Mr. Arias-, hemos dado al disco la pausa que merece y por tanto podemos decir que quizá no estés de acuerdo con todo lo que sigue a estas líneas pero ten claro que no es fruto de apresuramiento ninguno. En Multiverso II, Antonio Arias se ha hecho acompañar del teclado del sin par JJ Machuca (Eskorzo, Los Evangelistas, Lagartija Nick), de las guitarras orbitales de Florent (Los Planetas, Los Evangelistas, Los Pilotos), de la voz de Soleá Morente (hija del maestro Enrique Morente, voz también en algunos temas de Los Evangelistas), de los ritmos de David Fernández (Lagartija Nick), entre otros (Eric Jiménez, Víctor Lapido, David Montañés, Julian Méndez, Miguel López, Miguel Martín, Tymon Dogg, José Ubago…). Las letras de todos los temas (salvo la propia Soleá de la Ciencia, que es una genial versión de la que apareciera en el álbum Morente Sueña la Alhambra, del ronco del Albaycín) son poemas de David Jou, catedrático de Física y poeta catalán que ya prestó algunas estrofas en Multiverso I. También tiene peso en el disco Jose Antonio Caballero, astrofísico al que también conocemos de Multiverso y que en esta ocasión aporta sonidos espaciales reales que insertados sabiamente, dotan de atmósfera a todo el CD y tienen especial relevancia en Cármenes, que cierra el Multiverso.

Multiverso II arranca con Desertización. Los teclados de Machuca van dando ambiente, atmósfera, aire como a electrónica clásica, casi orgánica. Los versos de Jou, sobre el bajo, la arena cabalga el viento, el desierto se extiende, el sonido se expande y gana enjundia. Es una de las canciones que más recuerdan al tratamiento pop de Multiverso, hace un poco, tal vez, solo tal vez, de nexo entre ambos discos. Agujero de Ozono toma el relevo, también iniciada en el teclado, con mayor presencia armónica. Medio tiempo. Hay luz que aspira a perdurar algún día. Un agujero luminoso, caliente, casi pegajoso, contagia el relampagueo. Hasta ahora, nada sorprende demasiado, tampoco es necesario, estaba todo ya bastante claro desde el principio. Pero la Soleá de la Ciencia es otra cosa, mucho más lagartijera (última época), con Eric en las baquetas y un aire más poprock. Siendo tú la ciencia, no me has comprendido a mí. Una pieza deliciosa, que no te cansas de escuchar, una revisitación de aquella tremenda pieza Morentiana. Fantástica, pegadiza. A la Materia es diferente, más contundente, más enraizada, más etérea también (la participación de Soleá Morente agudiza la cuestión). Has parecido exultante y creadora, cuenta la letra. Otro himno a la materia, quizá menos inspirado que el de Teilhard de Chardin que apareció en aquel lejano Ulterior, quizá menos elevado, más terreno. Infinito no me sedujo la primera vez que la escuché. Me pareció algo plana. Ha sido tras sucesivas escuchas cuando he entrado en toda esa complejidad disfrazada de sencillez, esos ojos febriles en la oscuridad, ese último tren que representa el infinito, ese último viaje a la eternidad. Inmensidad espacial. Estrellas aparentemente cercanas. Cosmos… Relieve. Sexto corte, ecuador del disco. El bajo y la batería llevando el peso. Precioso tema, cargado de sentido: un espejo con mil rasgos difuminados, nunca sabremos cuando seremos golpeados. David Fernández mantiene sin dificultad el pulso, es difícil, es complicada la concreción y la contención, sujetarse, no desbocar las baquetas, no dejarse llevar. Las lentas manos de Florent dominando también las seis cuerdas con precisión distorsionada… más patentes en La Física de la Inmortalidad. Teclados clásicos que se abren al espacio en un viaje asimismo inmortal. Ritmo pausado, texturas. Cierra los ojos y fluye. Otro tema en el que me costó entrar y que hoy se ha hecho imprescindible. La velocidad de un caracol marca la diferencia. Sus ganas de vivir y sus letales consecuencias. Una eternidad casi neutral. La canción crece y se retuerce. Bellísima y profunda a partes iguales. La lenta, oscura y tranquila Proyecto Marte sigue a la anterior. El poema, tremendo, de David Jou es de esos difíciles de musicar por su propio ritmo interno, más adecuado a la lectura introspectiva que a la canción. Pero consigue el señor Arias salir airoso, doblando dónde es necesario, el cielo en el jarrón del pensamiento en blanco, convertido casi en estribillo. Una pieza dónde se puede palpar el afán del granaíno por ir más allá y no estancarse. Experimentación y hacer lo que le sale del corazón siempre y pese a quien pese. Dejar las Cosas Intactas, también lagartijera (podría ir en Zona de Conflicto sin problema alguno), demuestra de nuevo como convertir un texto difícil de musicar en una pequeña obra maestra. Una declaración de intenciones absoluta: todos tenemos razones para movernos, yo me muevo para dejar las cosas intactas y eso es siempre así. Damos fe. Nosotros y veinticinco años de trayectoria. Junto con la Soleá citada, para mí es el mejor tema del CD. Reloj de Arena me dejó frío también las primeras veces que la escuché. Se me hacía larga y monótona. Ha ido ganándome poco a poco, paso a poso, poso a paso. Un texto difícil (de nuevo). Quien dice ahora no dice un punto en el tiempo, sino el grosor de una duración. Toma ya. ¡Cántalo tú! Complicado ya digo. Un reto en sí mismo. Un poema largo, de esos en los que cada verso es para masticar despacio, para degustar con tranquilidad, para encontrarle las vueltas, que las tiene. Convertir eso en pop… bueno, escúchala tres o cuatro veces. Tú también caerás. Como en Un Alfa Y Tres Omegas. ¿Talar? Germinar no pide más, basta con esto. Ahora florecer es cosa vuestra. Y en ello está. Porque la canción crece y crece, germina y florece. Enorme en, otra vez, su aparente sencillez. Cierra Cármenes. La conocía ya de aquel concierto en Calar Alto, aunque eso no haga que sobrecoja menos. El espacio como instrumento musical. Con Jarre en la memoria. Tendremos que esperar más de una década para detectar otra tierra. Esperaremos supongo. Mientras nos quedará el espacio. Exotierras lejanas, es el proyecto Cármenes. Otra demostración de inquietud musical, una pieza distinta, con el violín de Tymon Dogg aquí y allá, Soleá poniendo emoción, Víctor Lapido sumado a la fiesta, un fin de disco tan especial como espacial. Imprescindible.

En fin. Multiverso II es la confirmación (otra) del talento de su creador (de sus creadores, en realidad, las letras son un prodigio poético) para hacer suyo cuanto le interesa. Y la astronomía en particular, la ciencia en general, le interesa mucho. Decía al principio que las estrellas son pupilas: nos permiten mirar a los ojos al Universo. Si la frase es cierta, la siento así, es de agradecer que Multiverso me haya abierto los ojos. De par en par.


NOMADA SESSION 16: SÁBADO 8 DE MARZO, MERCIFUL NUNS, A GOTH NIGHT FOR THE LAND OF SUMER

3/3/14