NOMADA SESSION ESPECIAL: 16 DE AGOSTO

10/8/14



BIRDEATSBABY: The Bullet Within (Dead Round Eyes 2014)

22/7/14
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Siempre es una alegría cuando uno de los proyectos que te interesan desde hace tiempo presenta nuevo disco. En este caso, la novedad es de los indispensables Birdeatsbaby. El cuarteto británico –de Brighton- vuelve a mezclar con maestría cabaret y rock oscuro y en su tercer largo (si excluimos la aventura en solitario de Mishkin) consiguen, además, mantener el nivel de los anteriores. Que ya era alto. Pero empecemos por el principio. The Bullet Within se gesta vía kickstarter (ya sabéis, crowdfunding y tal) a finales del año pasado. En seguida se cumple el objetivo fijado y queda puesta la diana a mediados de julio para el lanzamiento. Mientras tanto, un single con el que calentar orejas y la expectación siempre creciente. Un single que mira tú, abre el disco. The Bullet.

Ese piano que recuerda inevitablemente a los Dresden Dolls de la mejor época. Hasta que empieza a cantar Mishkin, se rompe el embrujo. Se nota que beben de fuente similares pero el tono dramático es diferente. Muy diferente. El resto de instrumentos enriquecen el tema, así como coros y demás arreglos. Perfecto el aperitivo. Drinking In The Day sigue otras prerrogativas. Más lento, apoyado solo en las teclas y en la voz, huele a humo espeso y a melancolía y casi casi, a Oporto. Al vino digo. Pero no. Enemies Like Me descarta la idea. Vuelven los sonidos de violines y el cabaret. El drama y la teatralidad. Acentuada, por una parte central llena de sentimiento. De ese que rezuma, imparable. Ghosts se apoya de nuevo en el piano para mostrar una banda en su versión más introspectiva, quizá sea el tema que más recuerda la incursión en solitario de la Fitzgerald. Sólo quizá. Una preciosa canción, de esas que se recuerdan mucho tiempo después de escucharlas. Hands Of Orlac está basada en la peli de terror de los años veinte, aquella en la que un pianista pierde sus manos y las reemplaza por las de un asesino. El resto os lo podéis imaginar si no la habéis visto, que deberíais. El tema va creciendo y desarrollándose, con los violines tomando el control y redondeando una gran canción. Melora Creager de Rasputina aporta su cello (y su virtuosismo tocándolo obviamente) en Into The Black. Cortita, muy cortita y delicadamente circense, te deja con ganas de más. Claro que más corta es Interlude, que hace de especie de intro a Tenterhooks. Una pieza distinta, inspirada, melodramática y deliciosa. Spiders incluye a Gabby Young que mezcla su voz con la de Mishkin sobre un trasfondo instrumental dónde reinan los ritmos que marcan las baquetas de Katha (además del bajo de Garry, imprescindible también) y el violín, siempre el violín, de Tessa o de Keely. Todavía más dramática resulta The Lighthouse. Inspirada en Rapunzel, es de esos temas que “van y vienen”. Perfecto en la composición, gozoso en la interpretación. Y poco más se puede decir. My Arms Will Open Wide vuelve a traer a la cabeza a la Palmer, especialmente en la manera de cantar, pero con el muy personal (también) timbre de Miss Fitzgerald. Pálidos reflejos solamente, inevitables parecidos. Poco importantes, también. Silence para terminar. El resumen de todo el álbum, los diferentes estilos, los distintos ritmos alternados, la importancia y el cuidado en las letras, la belleza per se, las cosas bien hechas. Porque resulta que The Bullet Within es un ejemplo cojonudo de todo esto. De canciones bien hechas. Del alma en cada acorde. Entraña si, pero también dulzura. Precioso todo.


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AND ONE + BLITZMASCHINE EN OCTUBRE EN MADRID

13/7/14



DARK CHRISTMAS FESTIVAL 2014: DIARY OF DREAMS + THE FROZEN AUTUMN + ESTILO INTERNACIONAL




STURM PROMOTIONS FEST. 14 CLAN OF XYMOX + VELVET CONDOM + LA BROMA NEGRA



REMAIN IN SILENCE POR VEZ PRIMERA EN MADRID

8/7/14



NOMADA SESSION 24: SABADO 12 DE JULIO DE 2014, FIESTA POST CONCIERTO REMAIN IN SILENCE




CARTEL DE LA VI SEMANA GÓTICA DE MADRID: OCTUBRE Y NOVIEMBRE DE 2014




VVAA – PLACES (Caustic Records 2014)

6/7/14
Si en los tiempos que vivimos, montar un grupo es una empresa cuando menos quijotesca, qué decir de montar un sello discográfico. Ahí sí que el nivel y grado de locura (bendita sea) roza lo estrambótico. No se venden discos, amigos. Es así y es una desgracia. Se venden menos discos que, seguramente, nunca, y eso en estilos consolidados y comerciales es una ruina (frecuentemente) tanto para sellos discográficos como para tienda, etc. El grupo, en ocasiones, puede sobrevivir con los conciertos pero el resto… Imaginad lo duro que es entonces si la empresa que decides poner en marcha además la dedicas a estilos minoritarios, decididamente fuera del circuito comercial masivo. Romanticismo máximo. Como el respeto y la admiración que me provocan los que se atreven a hacerlo.

Digo todo esto porque Caustic Records llevan ya un tiempo (desde finales de los noventa, que se dice pronto) dedicándose a lanzar al mercado un cuidadísimo ramillete de joyas con las que enriquecer los oídos de los aficionados a ese grandísimo cajón que engloba darkfolk, neofolk, industrial, experimental y también tecnopop más o menos minimalista y todas sus múltiples ramificaciones. Aparentemente solo hay un nexo común a todos sus lanzamientos (bueno, dos): calidad y buen gusto. Ahora bajo esas mismas premisas, se “marcan” este Places que recopila inéditos y exclusivos cortes (bien totales, bien en su mezcla) de catorce de los mayores exponentes de los estilos citados antes. Así, están el proyecto de darkfolk germano Darkwood, los rítmicos Sturmpercht (preciosa Alpenleben), la acústica de los también alemanes Falkenstein, la belleza de la veterana propuesta italiana de Argine, la peculiar Parkhill de Sieben, la increíble Ruins Of Guevara de los patrios Har Belex (cada vez me gustan más), el folk percusivo de Strydwolf, los cada vez más imprescindibles Sangre de Muerdago, los circenses Oniric (ya sabéis que son debilidad de laletra), la acuosa, susurrante y preciosa canción de Fragile, el folk dulce de Majdanek Waltz, la ambiciosa creatividad de Fayrierie (proyecto español que no conocía y que aunque al principio no me entró, ha terminado por conquistarme), los engañosamente sencillos Hiperborei o la constante búsqueda del más experimental Stillme.

La idea es combinar en un único proyecto música, imagen y lírica. Para ello, cada uno de los nombrados aporta un corte exclusivo en el que parte de la inspiración provocada por un ligar determinado. Acompaña además en el digipack un impresionante libreto de dieciséis páginas con fotografías y textos que ilustran cada uno de los temas. El resultado es, sencillamente, sobrecogedor. Mira que es complicado aunar artistas tan diferentes entre sí en un todo común sin pecar de un cierto deslazabamiento, pero no existe aquí tal, las diferencias estilísticas, que las hay, solo enriquecen el resultado final, y éste no podía ser mejor. Delicado cuando debe, oscuro cuando es necesario, cada minuto está medido para el placer melómano, sin que haya ningún corte que baje el nivel del resto. Luego, claro, están los gustos de cada cual y dentro de eso, cada uno tendrá sus favoritos (los que fueren) pero si no me equivoco este es uno de los primeros recopilatorios que me llevo a la oreja en el que no me sobra ningún grupo, no quitaría ningún tema. Una excelente selección de principio a fin, en forma y fondo, desde la propia edición de maravilloso diseño, al fondo de todo, a lo importante, a las catorce canciones.

Decía al principio, un poco a modo de reconocimiento, que admiro profundamente a todo aquel que dedica su tiempo, su esfuerzo, su talento y, claro, su propio dinero, a que el resto tengamos ocasión de disfrutar de discazos como este Places. Lo admiraría incluso aunque el resultado final no fuese de mi agrado así que, qué decir entonces de ejemplos como estos. Pues poco más que no debería dudar en hacerte con él si eres de los que disfruta de los estilos citados antes. Puedes hacerlo tranquilamente vía www.causticrecords.com

IMPRESIONANTE CARTEL DEL SGM FESTIVAL EN SU SEXTA EDICIÓN

24/6/14

ANA CURRA PRESENTA EL ACTO, 13 y 14 de junio de 2014, Sala El Sol y Sala Shoko, Madrid

14/6/14
Y llegó el día. Dos años largos después de su presentación en Madrid, tras una larguísima gira dentro y fuera de España, la criatura ponía fin a su periplo, de nuevo en Madrid. Esta vez, serían dos noches consecutivas, una a lo grande en la Sala Shoko y otra más íntima en la Sala El Sol (en un principio exclusiva para compradores del pack Premium, aunque luego se ofertaron entradas individuales también). Para ello, la misma banda de toda la gira, lógicamente, acompañando a Su Siniestrísima Majestad (como la presentó Manolo UVI): el susodicho al bajo, José Battaglio y Cesar Scappa a las seis cuerdas y Rafa Le Doc a las baquetas. E invitados, también invitados.

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El primer acto de este último acto de Ana Curra Presenta El Acto (valga la triple repetición) fue en la Sala El Sol, en viernes primaveral y con fútbol al fondo. Obligada visita al puesto de merchandising (curioso que los precios variaran de un día a otro, con algún artículo más caro el sábado y algún otro más barato. ¿Ajustes? Ni idea): varias camisetas incluyendo alguna de la minigira mexicana, bolsos de tela, la edición especial limitada del vinilo publicado para la ocasión… Buen material que rápidamente llenó manos y vació bolsillos, como ha de ser. La sala con tres cuartos de entrada largos, suficientes para que hubiera ambiente y adecuados para presenciar el espectáculo de manera cómoda. Sí, he dicho espectáculo, pues eso era y no otra cosa lo que esperaba encontrar. No la reivindicación de nadie (quien pudiera haberlo hecho nunca lo necesitó); no la respuesta a nada; no la enésima vuelta de tuerca a ningún repertorio antiguo. Sólo (no es poco) espectáculo y la oportunidad de ver, escuchar y divertirme con un puñado de canciones que el que tuvo ocasión, disfrutó en su momento y que estos y los que no lo vivimos pudiéramos hacerlo otra vez. Entrar en más cuestiones me parece como poco temerario. Ahora, eso sí, espero que los adalides del “deja el legado como está” no sean tan hipócritas de dejarse los cuernos saltando y bailando cada vez que cualquier cantamañanas versionee Quiero Ser Santa, Autosuficiencia o Un Día En Texas. Ahí sí que el legado debe quedarse donde está.

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Pero vamos al grano sin perder más tiempo en algo que no interesa más que a cuatro porteras: lo que aconteció aquel viernes. Se resume rapidito. Si juntas un repertorio que (con sus luces y sombras) todo Dios en aquesto del siniestreo lleva coreando treinta años con una banda más que solvente, lo aderezas de una puesta en escena sobria pero cuidada, llevas dos años girando con la misma gente esa colección antes dicha… pues te sale lo que vimos aquel viernes. Un espectáculo con mayúsculas. Con sus momentos de dar botes y gritar en himnos como Unidos o Jugando A La Cartas; con sus pelos como escarpias en Esa Extraña Sonrisa; con la inclusión excelentemente interpretadas de canciones que no podían faltar como El Acto, Ahora Quiero Ser Tu Perro, Quiero Ser Santa, Yo No, Esto No es, Te Gustará, Todo El Mundo, Tengo Un Pasajero, Sangre, y, por supuesto, Nacidos Para Dominar o Héroes; con sus sorpresas en forma de temas de Seres Vacíos o en la recuperación de aquel primigenio y seminal Todo Sigue Igual (que terminó convertido, creo, en Te Gustará). Todo con un sonido excelente (como dijo alguien, la responsable de la sala hace “sus deberes”) y un grupo al que se le notaba muy mucho todos estos meses de ensayo y concierto. Conjuntados y siguiendo sin pestañear a una Curra que viéndola bailar y brincar sin desfallecer parece tener (ays la envidia) treinta años menos.

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Además apareció por allí el bueno de Rafa Balmaseda (preciosa dedicatoria a Eduardo Benavente, dónde esté) para aportar su bajo durante algunos temas, con mención especial a la sección “Seres Vacíos” que fue simplemente escandalosa: Más, Pájaros De Mal Agüero, Desnúdate y Ratas. Impresionante. Se pasó el concierto volando, cuando quise darme cuenta estaba ya casi esperando los bises. Tres incombustibles Adictos A La Lujuria, Autosuficiencia y Un Día En Texas. Con la locura ya desatada, increíble (y esperado) final. El resultado me pareció menos conmovedor que hace dos años (allí estaba todo mucho más a flor de piel y se notaban más ciertos nervios) pero también más y mejor ensamblado, menos nostalgia y más energía. Distinto y no sé si mejor. Sí sé que, de nuevo, me lo pasé como un enano. Y eso es lo que, al menos yo, le pido a un espectáculo, del tipo que sea. Quedaba además lo del día siguiente, ya para más gente, menos fiesta privada y más –suponía- “generalista”. El sábado añadiría o quitaría razones.

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Más pronto, mucho más, comenzó el acontecimiento sabatino. Era aún de día cuando el humo llenó el escenario de la Sala Shoko, más pequeña de lo que pensaba pero llena a rebosar. Muchas caras coincidían con las del viernes pero también había notables ausencias y, por supuesto, mucha más gente: el aforo máximo será aproximadamente el triple y como digo, estaba lleno. Entre el humo se acerca Ana Curra, con una capa calada con capucha y entre acordes de réquiem. Perfecta intro. En seguida, los primeros acordes de El Acto, que como el día anterior, abrían el recital. Algo es diferente al viernes. Continúa el buen sonido y el concierto avanza a ritmo parecido. Hay diferencias en el setlist (sobre todo porque faltan la inédita Todo Sigue Igual y la mitad de lo de Seres Vacíos – sólo se mantienen Más y Ratas-, la parte Parálisis es la misma aunque añadiendo Vamos A Jugar) pero no es solo eso, es algo más profundo, aunque no peor (indefinible para mí, es una sensación). El contacto con la gente es, obviamente, menos cercano pero las proyecciones y el mayor tamaño del escenario enriquecen el conjunto.

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Poco a poco se desarrolla el setlist, tan bien interpretado como decíamos del viernes y, quizá, sólo quizá, todavía más energético, más expansivo. La ausencia de intimidad (el escenario está demasiado lejos para que te salpique el sudor) se suple con las proyecciones del fondo, muy cuidadas. La falta de temas de Seres Vacíos (repite Rafa Balmaseda, un placer siempre) se reemplaza por la aparición de nuevos invitados: Dei Pei y Tere, de Desechables, convocados para recrear aquel himno “La Oración”. Han pasado muchos años, se nota en la ausencia el furor adolescente del que un día hicieran gala, pero aún con ello me encantó la versión.

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No sería la última sorpresa pues después de dejarse César Scappa parte de la garganta en Esto No Es (originalmente de Escaparates, aquel efímero y seminal combo que compartieron el citado, El Angel, El Porras –entre el público el viernes, dónde también la cantó César- y Eduardo), Ana presentó Adiós Reina Mía, del “único grupo honesto del mundo” Eskorbuto. Otro himno… Llegaba ya con esto el final (tras Jugando A La Cartas y Todo El Mundo), pero quedaba la presentación de “la criatura”, el videoclip creado ad hoc de Unidos. Un estupendo corto hace de intro y se desata (otra vez, van muchas ya) la euforia en las primeras filas. Quedan aún los bises, los mismos (lógico) que el día anterior y la despedida. El final de este proyecto que ojalá tenga continuidad –quisimos adivinarlo así en las palabras de la Curra, pero puede que el deseo confunda realidades- con nuevos temas o con nuevos formatos. Sería una pena que se rompiera lo que en dos noches consecutivas demostró ser una BANDA. De nuevo con mayúsculas. Queda la sensación de que aún tienen mucho que decir en conjunto.

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OBERER TOTPUNKT: Desiderat (Danse Macabre 2014)

9/6/14
Oberer Totpunkt son Michael Krüger (música y batería) y Bettina Bormann (letra y voz), dúo alemán desde 2006 que en este su cuarto álbum, “Desiderat”, nos presentan una fantástica combinación de letras apocalípticas y música acorde a éstas sin resultar ni repetitiva ni machacante. Desde la primera escucha me gustaron más de lo que pensaba que iban a hacerlo, pese a que tengo cierta predilección por las bandas alemanas. Así que con “Es war Immer So” (Siempre fue así) , la primera canción, oscura y agresiva tanto en la letra como en su base, y el hecho de que la letra esté recitada (como en una gran mayoría de las canciones) le dan un punto oscuro y morboso que empezó a engancharme.

“Langfristig Gesehen Sind Wir Alle Tot” (“A largo plazo todos estaremos muertos”) como se encarga Bettina de repetirnos en varios idiomas, incluido el nuestro, a lo largo de la canción, tiene un sonido algo más electrónico tradicional sin dejar ese lado oscuro y agresivo que tienen Oberer Totpunkt en general.

“(Das Ist Nicht) Menie Welt” (“(Este no es) Mi Mundo”) es mi favorita del disco. De esas que te hacen subir el volumen un par de puntos más para que te tralle bien la cabeza y los oídos; diferente a las anteriores es un llamamiento a la revolución, tanto en la letra como sólo escuchando la música, transmite lo que quiere decir. Lo bueno de “Desiderat” es que cuando más o menos crees que ya sabes por dónde va a ir el resto del disco, (que ya te parece que va a estar muy bien), aparece “Geisterfarhrt” (Paseo Fantasma) y cambia por completo el estilo con guitarras cañeras y coros , sin dejar las historias tétricas y profundas de sus letras . “Das Leben Wartet Nicht Auf Dich” (La vida no te está esperando”) es de las que necesitas saber alemán porque si no recuerda a las música de las cintas de relajación, a lo que ayuda la voz de Bettina pese a que su letanía es todo lo contrario a una cinta de autoayuda. Si sabes alemán, no te la pongas para dormir o te levantarás con ganas de cortarte las venas.

Con “Spiegel Im Kafig” (“Espejo en la jaula”) vuelve el sonido puro electrónico de sintetizadores como en “Alle Lügen” (“Todos mienten”) ambas con una letra tortuosa sobre la soledad y las mentiras a las que estamos sometidos. Las dos, más que canciones se las podría considerar performances, son para verlas en directo. Pero como ya he dicho que lo bueno de Oberer Totpunkt es que no puedes decir que son lineales, en “Nur Im Traum” (Sólo un sueño) encontramos una música y letra mucho más positiva, para saltar a “Fremde Seele” (Extraños”) animada, movida, con la velocidad y ritmo del tecno de los noventa, incluso se podría decir que la letra habla de amor (sumiso, pero amor), y por primera vez la letra no es recitada, pero tampoco cantada, y como siempre perfectamente adecuada a la base musical.

Y siguiendo este ritmo algo más, podría decirse, comercial “Sei Auf Der Hut” (“Estad en guardia”) , contiene una base notablemente más repetitiva (y bailable a la vez, como ordena en la letra), y pese a sus ocho minutos de duración no se hace nada pesada (algo que suele ocurrir con la música electrónica, que a veces un par de minutos, sobran) , para acabar el disco con “Hab Keine Angst Mein Freund” (“No tengas miedo, amigo mío”) donde las palabras superan en importancia a la base rítmica, y se despiden de nosotros con un “Manten la calma. Descansa un poco. Nunca me olvidaré de ti”.

Estaba segura de que podía existir la combinación de música electrónica con voz femenina que no suba el azúcar al tercer compás, y en Oberer Totpunkt la tenemos. La voz de Bettina, simplemente recitando, resulta tan variable y enigmática, que tan pronto te pone firme y te invita a la revolución como te sume en un relajante mantra donde cada una de sus impresionantes y trabajadas letras te sumergen en un trance tortuoso, triste o desesperante o te devuelve la esperanza a su antojo, siempre perfectamente combinada con la música que engancha en cada tema tanto si entiendes alemán como si no. Y conseguir eso con una música electrónica cuya cualidad básica es ser repetitiva, que Krugër haga que cada canción sea rítmicamente diferente a la anterior , y que después de unas cuantas escuchas las canciones se sigan manteniendo “frescas”, convierten a “Desiderat” en un disco muy recomendable.

Texto: Chatarrera


THE FLATFIELD: Passionless EP (Autoproducido/Gothic Music Records 2014)

28/5/14
The Flatfield no son unos recién llegados. Llevan bastante tiempo sus componentes (en diferentes formaciones locales finesas) en esto de la música. Y se nota. Claro que se nota. Desde el primer acorde percibes que no hay novatos aquí. Sin embargo, nada había oído de ellos antes de este (su) primer trabajo discográfico que reedita el sello Gothic Music Records. Finlandia siempre ha sido cuna de gran cantidad de grupos, en un sinfín de estilos pero, quizá, preponderen los “guitar-based” en sus múltiples reencarnaciones. Y eso, amigos, también se nota. Lo hace porque este Passionless (EP de poco más de media hora) está repleto de referencias cruzadas pero difícilmente rastreables. Usando un símil culinario, es de esos discos (comidas) dónde sabes que hay un montón de ingredientes pero eres incapaz de enumerarlos todos. Ni un porcentaje decente, de hecho. El conjunto es maravilloso, por supuesto. Y es que si tuviera que definir a estos cuatro tipos o, mejor, a la música que escupen, no sabría muy bien por dónde cogerlos. Tienen ramalazos postpunk, incluso afterpunk, especialmente en algunos ritmos gélidos y en la estructura de algunas canciones. Pero también rondan el gótico clásico. La voz es grave, pero no guturaliza ni imposta, o no siempre. Las guitarras son fuertes pero no excesivamente. Juegan con texturas y teclados, las canciones cambian de ritmo muchas veces… Casi progresivos, un poco postrockeros, góticos (oscurísimos) también. Incuso se puede rastrear gustos por el doom más depresivo. Y luego escuchas Eternal (el sexto corte) y esas guitarras agudas y esa sección machacona… parece de la costa oeste americana. Lo dicho, una amalgama infinita de muy diferentes sonidos, casi diría que de distintos estados de ánimo.

Todo lo dicho no deja de ser una manera de describir algo siempre (pero en este caso con más motivo) indescriptible. Todo lo dicho tendría poco valor, ninguno, si no fuera porque Passionless es un trabajo impresionante. Los siete cortes que lo llenan son a cada cual mejor, sin que me pueda quedar (ni quiero) solo con uno o dos. Diferentes estados de ánimo, diferentes estilos, diferentes texturas. Un caleidoscopio infinito de calidad increíble. La citada Eternal es una pasada llena de sentimientos de todo tipo, original y fresca, además de fenomenalmente bien ejecutada (como todo el EP, otra muestra de lo que supone la experiencia). Praise es épica, fuerte, oscura, angustiosamente bella, siniestra. Silence es el tema apertura perfecto, tormentoso, con ese ominoso teclado que lo llena todo. De vuelta a los ochenta pero cantando à là Sven Friedrich. The Witch… guitarras que traen a Mephisto Waltz a la cabeza, en el mejor momento del combo. Ritmos postpunk, voces que se arrastran en crescendos épicos sin final. La homónima Passionless está llena de sentido, atesora por sí misma todo lo que el cuarteto ofrece. Mejor escúchala. Diga lo que diga me quedaré corto. New Time es un hit absoluto. Un inicio con reminiscencias (ligeras) a los Sisters de Floodland, para luego, de la mano del teclado y del talento virar e irse por un montón de sitios. Como cuando una gota cae con fuerza, golpea algo y se multiplica en miles de gotitas que se dispersan, pues así. Shore es radicalmente diferente a la anterior, tal vez sea más estándar de planteamientos pero eso, lejos de suponer menoscabo, la refuerza. Otro estupendo tema. Un no parar.

The Flatfield (homenaje nada velado a Bauhaus en el nombre) son hoy por hoy una interesantísima propuesta musical. Confiamos en que tenga refrendo con el tiempo, porque apuntan muy muy alto. Para mí y desde ya, unos de los grandes descubrimientos de este año.

Puedes escucharlo entero:



Y ya sabes que este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


PRINCIPE VALIENTE: Choirs Of Blessed Youth (Afmusic 2014)

27/5/14
Espectacular. Impresionante. Tremendo. Increíble. Alucinante. Extraordinario. Estupendo. Magnífico. Podría seguir así dos horas. O tres mil palabras. Podría estar con la boca abierta semanas enteras. Me faltarían, me faltan, adjetivos. Principe Valiente pasan por ser uno de los mejores representantes del revival postpunk/shoegaze actual, para mí, a años luz del siguiente.. Recuerdo perfectamente cómo se me enarcó sola la ceja derecha cuando me pasaron aquel ya lejano primer EP (2007). ¿Se llaman Principe Valiente siendo suecos? Me imaginé a cuatro o cinco tipos con el pelo a tazón, vestidos de eslogan de marca de galletas, rubios y de tez rosada, con leotardos y sombrero de pluma. Imaginación imbécil que tiene uno. Después fue la ceja izquierda la que acompañó a la otra al escucharlos, claro. Automáticamente quedé prendado de la inmensa capacidad para la garganta dramática del vocalista Fernando Honorato (y de su bajo, artífice de buena parte del compacto sonido del grupo). Pero no solo la voz y el bajo destacan en el combo, las guitarras de Jimmy Ottosson, ardientes cuando deben, punzantes a veces y distorsionadas siempre, son otra seña de identidad. Como lo son los teclados del mismo Jimmy o de Rebecka Johansson, responsables de la mucha afinidad por la new wave que transmiten las canciones. El contundente Joakim Janthe se encarga desde las baquetas de darle prestancia al todo y de marcar por dónde han de ir los tiros. Dicho esto, imaginaos las ganas que tenía en su momento de hacerme con su CD homónimo de hace tres años. E imaginaos el miedo a que este Choirs Of Blessed Youth no estuviera a la altura, cuando me lo enviaron desde AFMusic. El disco, de hecho, no estará físicamente disponible hasta el seis de junio.


Puestos a buscarle defectos, dijimos en su día que lo más criticable de PValiente en sus trabajos anteriores, podía ser la linealidad de los temas: todos o casi todos con un tempo parecido. Era esforzándose en buscar pegas, cierto, pero eso no lo hacía menos real. Bueno, pues en Choirs… corrigen mucho esta linealidad y se manejan instrumentalmente en un rango de sonidos más variado. Ya desde The Son I'll Never Be el dominio de la guitarra muestra una primera intención de cambio, la canción va poco a poco deslizándose entre los múltiples ecos y reverberaciones de la voz de Mr. Honorato y el omnipresente teclado. Take Me With You (sacada anteriormente como single, buenísima elección) cambia completamente el ritmo y, aunque es barroca en composición e interpretación, hace un poco de nexo entre los “viejos” Principe Valiente y los nuevos. Unos que se manifiestan profusamente en la que fue el otro adelanto del álbum: She Never Returned. Medio tiempo épico, abrazados al teclado y a la distorsión de las cuerdas, mecidos por voces y parches, una preciosidad de esas tristes a los que los de Estocolmo nos tienen más o menos acostumbrados. La larguísima The Dream (más de nueve minutos) nos sumerge en ese mundo onírico que recrea a base de punteos, bajos profundos y teclados nuevaoleros. Como si de unos Cure (Disintegration era) redivivos se tratara, la guitarra repetitiva encierra mucho más de lo que enseña a primera oída y la normalmente dramática voz brilla aquí entre la niebla más que nunca. Si la anterior nos parecía una preciosidad, este Sueño no le va a la zaga. Uno de esos cortes para escuchar con atención una y otra vez, y otra y otra y otra. Sin embargo, la adrenalítica Wasted Time devuelve a los nórdicos que conocíamos, los de hits absolutos e incontestables como The Night o In My Arms. Uf, los pelos como escarpias. The Fighting es postpunk puro, purísimo. Y negro como lo más negro que te puedas imaginar. Uno de esos temas envueltos en un celofán engañoso, caramelo envenenado, ya sabes a qué me refiero. El bajo cortante, como hielo, golpe tras golpe te traslada por toda la canción, un no parar de emociones. Choir Of Blessed Youth, por el contrario, es un breve interludio en el marasmo que supone todo el CD. Un delicado teclado, onírico, espacial, expande en minuto y medio todo el universo propio creado, un universo cuya continuidad está garantizada por la estupenda Fiction a la que sirve de intro. Fiction es un tema de esos que se te meten dentro, uno de esos que podría estar firmado en 1985, si es que entonces había alguien capaz de componer una pieza como esta, que tengo mis dudas. Como las tengo de que haya una canción que resuma tan bien lo que son Principie Valiente como Dying To Feel Alive. Oscura, rítmica, elegante… de nuevo me faltan adjetivos. Temporary Men está en la línea canónica de The Fighting. La melodía del teclado y la guitarra por encima de todo, con la sección rítmica golpeando detrás y la voz arrastrándose delante. Algo exquisito cuando se conjunta bien. Y ésta lo está. Flower In You cierra el CD. Con tranquilidad medida. Fuerza contenida. Tensión sujetada, domada, siempre a punto de explotar, no termina de hacerlo, dejándote un cierto desasosiego que a lo que invita es a comenzar de nuevo desde el principio.

Choirs Of Blessed Youth es uno de esos discos que mejoran a cada escucha, pero que ya desde la primera da muestra de las cualidades que lo adornan, no requiere una digestión difícil, ni larga. aunque con ella mejora, indudablemente. Más variado que los anteriores, menos dramático y desgarrador (especialmente en la voz), más maduro, más “hecho”. Decía al principio que era un trabajo espectacular, impresionante, tremendo, increíble, alucinante, extraordinario, estupendo y magnífico. Me faltó decir que es, además, imprescindible.

NOMADA SESSION 21: SABADO 31 DE MAYO DE 2014: PRESENTACIÓN OFICIAL DEL NUEVO DISCO DE WHISPERS IN THE SHADOWS: BEYOND THE CYCLES OF TIME




ANGELS OF LIBERTY: Touch The Daemon EP (Secret Sin Records 2014)

Hemos hablado en estas páginas últimamente con bastante profusión de Angels Of Liberty. El dúo formado por Voe y Scarlet han sacado varios trabajos en los últimos tiempos y hemos tenido la fortuna de poder hacernos eco de ellos. Ahora lanzan un nuevo EP, Touch the Daemon, en el que renuevan otra vez el viejo gótico que a finales de los ochenta y todos los noventa hizo renacer el género en el Reino Unido y que de ahí se expandió por todo el mundo. Ese gótico guitarrero pero sin exagerar, elegante pero sin amaneramientos, oscuro pero no lúgubre, murcielagoso y calavérico, el de unos Nosferatu inspirados, el de unos Rosetta Stone antes de empezar a copiarse a sí mismos y terminar engullidos por la electrónica, el de las chorreras y las chisteras. Ese tan manido y tan sobado y a la vez tan admirado (y tan copiado).

Renovar un estilo tan encasillado, tan autoconclusivo, siempre es complicado y precisa de cantidades ingentes de talento y de, al mismo tiempo, ser capaz de superarse a sí mismo y de trascender el tópico. Ya dijimos en su momento que tanto en Pinnacle Of The Draco como en el recopilatorio que amalgamaba Monster In Me y The Black Madonna el dúo británico había conseguido sonar fresco pese a las indudables referencias e influencias, había logrado sonarme originales pese a llevar treinta años escuchando grupos del palo. Quedaba la duda de si serían capaces, ya con temas nuevos, de mantener el nivel (superarlo parecía difícil). Quedaba la inquietud, ya que es muy complicado no caer en viejos defectos, en antiguos vicios. Touch The Daemon las resuelve, las dudas y las inquietudes.

Ya desde el primer tema homónimo se ve claramente que pese a que están aquí de nuevo las conocidas guitarras, los sempiternos bajos, los teclados omnipresentes, las cajas de ritmos y las voces filtradas, las acompañan otros ingredientes comunes en el grupo. El buen hacer, la frescura, la originalidad sin alardes, la “humildad” del trabajo bien hecho. Un tema que supura niebla densa, un sonido británico como el té, un aire aristocrático en las cuerdas, también las vocales, en cómo las palabras se deslizan por la garganta, componiendo un nuevo himno. Ritual & Tradition ya aparecía en versión demo en Pinnacle. Aquí se ofrece mejorada en los arreglos y el sonido, cerrada, definitiva. Estupenda. Sophia me encanta. Gótico de los noventa cien por cien, de ese que me cansó en su momento y que, ahora, no sé la razón, agradezco la recuperación. Épica sin exagerar, rítmica pero no repetitiva, pegadiza sin resultar cansina, AoL en gran estado de forma. Our Tears empieza más tranquila, basada en un teclado que podría hacer recordar a los mejores Girls Under Glass, es tal vez el tema más centroeuropeo del disco. El eco de la voz ayuda a crear el necesario ambiente para la letanía lírica. Delicadas notas acompañan y revisten de terciopelo toda la canción. Break The Silence es nuevamente tradición inglesa por los cuatro costados. Un clásico desde su composición, una de esas piezas que invitan al baile, con todo lo que eso conlleva. Quizá el más claro single de las seis del EP, aunque cualquiera podría serlo, aquí no hay relleno. La mejor manera de comprobarlo es escuchar el corte que cierra, ese Black Knight Satellite de factura impecable. Ritmos cercano al mejor glam, pero sin perder un ápice de oscuridad, voz gutural que lejos de resultar desagradable enmarca perfectamente un tema que no por diferente al resto (que lo es) desmerece. Para nada. Un magnífico cierre a un EP que debe formar parte de cualquier discografía oscura. Otra constatación de que si la pregunta es sobre gótico británico, la respuesta son Angels Of Liberty. No me cabe duda.

SESIÓN DE PROFUNDIS 14 DE JUNIO DE 2014

22/5/14



CIRCUNCELION: Carved In Waters (Twilight Records 2014)

21/5/14
Circuncelion nace en un principio en 2004 de la mano de Igor Mesmer, como alternativa a su banda Addiction, para desarrollar este proyecto nuevo de “visiones sonoras” del que salió “Eschara” basado en sus impresiones suscitadas acerca la Guerra Civil española , pero no es hasta Diciembre de 2009 cuando con la colaboración e integración de Romina Pérez, pianista de formación clásica comienzan con la composición y creación de “Carved in Waters”, su segundo trabajo, un disco maduro y emocionante.


“The Beginning” es la melodía perfecta para acompañar las palabras de Dylan Thomas que abren el disco, tomadas del poema del mismo nombre; “Song of Ophelia”; casi ocho minutos en los que primero ves a través de las notas del piano a Ofelia flotando en el río para después mecerla con la voz de Igor que recuerda gratamente a Brendan Perry, dándole a la composición un corte majestuoso y épico, presente en muchas de las canciones. “Sontay” medieval, oscura y casi hipnótica, de inconfundible estilo Dead Can Dance, nos lleva a “Retrospective Room Part (1 y 2) “ que dejan fluir las notas a través del piano y la creatividad de Romina, y que envuelven en el orden del disco a “Dei Sospiri” , un magnífico cántico en italiano, complicado a la vez que de impecable resultado, inspirado intuyo en el poema de casi mismo nombre de Thomas nuevamente, y a “Tishtrya”, instrumental, que rompe con el estilo de las canciones anteriores pero que no desentona. Con la fantástica “A Dream within a dream” puedo decir que son increíbles componiendo la música perfecta para ilustrar poemas, en este caso de Poe, fusionando perfectamente el romanticismo con lo medieval, y la voz de Igor que sabe transmitir esa angustia de las letras románticas a la perfección. Siguiendo en la misma línea, “To never come back again”, una historia sobre deportación por mar, en un tono más oscuro y casi tántrico sin dejar el toque instrumental de la música de la época feudal, para ir cerrando con dos Requiem, la emotiva y dramática “Tuol Sleng” dedicada a los millones de personas que fueron torturadas y asesinadas en Camboya (se siente de manera diferente la canción si conoces la historia que la motiva; en una primera audición me ha gustado, después de buscar a qué se refería el título, las siguientes veces me ha encogido el estómago), y “Ondorio” un precioso Requiem en euskera, que cierra y personaliza en si todo un disco lleno de grandes melodías y estupendas interpretaciones llenas de emoción, sentimiento y cuidadas y estudiadas melodías y letras.



Para contactar con ellos y/o comprar el disco:

circuncelion@hotmail.com

https://www.facebook.com/circuncelion

gabriel@twilight-records.com.ar


Texto: Chatarrera


Nota: (al hilo de la publicación de la reseña, el grupo nos remite la siguiente nota aclaratoria)

Hola, a modo de anécdota, te cuento que el tema “Dei Sospiri” no está inspirado en la obra de Dylan Thomas, sencillamente el año anterior a la composición del tema estuve unos días en Venecia y cruce el puente de los suspiros y, la verdad, envolvía todo una densa atmósfera. Estar en ese lugar y saber que era la ruta y el paseo final de los reos desde las mazmorras al cadalso... Por otra parte, salvo alguna excepción quería que los temas tuvieran relación con alguno de los elementos (en este caso el agua) y tanto el puente de los suspiros como las mazmorras fueron en su día lugares realmente húmedos y lúgubres, así que en el momento de componer, cerré los ojos y traté de volver a verme allí. Escribí la letra y Romina hizo lo adaptación al italiano.

Por otro lado “To Never Come Back Again” es líricamente la continuación de “Sontay”. Un buen amigo de Burdeos (Deni, la misma persona que hizo el famoso vídeo de Brendan Perry “Utopia”) hizo por su cuenta el vídeo de Sontay y las imágenes aunque evocadoras no tienen nada que ver con la letra. Ésta habla del éxodo que miles de niños sufrieron poco antes de finalizar la guerra civil, en lugares muy próximos a donde yo vivo; estos niños fueron alejados de sus familias para ser puestos a salvo, muchos de ellos fueron a países de Europa y a Rusia donde poco después sufrirían la Segunda Guerra Mundial.

“To Never Come Back Again” habla de todas aquellas personas que habiendo dejado atrás su tierra natal de niños y por aquellas circunstancias, crecieron, llegaron a la edad adulta, encontraron trabajo y el amor en aquellos lugares tan lejanos y echaron raíces allá; ellos añoran la tierra que les vio nacer pero ya tienen toda una vida construida en el exilio y jamás volverán.

Circuncelion

FUCKAINE: Totally Contagious (Origami Records 2014)

MUY sorprendido sigo con este Totally Contagious, primer CD de los patrios Fuckaine. Gratamente sorprendido, quiero decir. En primer lugar porque por vez primera (creo, mi memoria da para lo que da y da para bastante poco) no tengo ni la más remota idea de cómo calificar, con quién comparar, un disco que, a día de hoy y tras degustarlo (que no se dude del esfuerzo en digerirlo) repetidamente, sigue escapándoseme a cualquier intento de “cuadricular” lo inclasificable. Porque es así, amigos, este Totally Contagious es, aparte de como dice el propio título tremendamente –y para bien- pegajoso, absolutamente indefinible. Creativo a más no poder, mezcla una barbaridad de estilos tan dispares que asusta la amalgama final. Y es que los cincuenta minutos que dura están repletos de rock, rock con cualquier apellido que se te ocurra y electrónica moderna, a tutiplén. Así en general. El “problema” (bendito sea) es que dentro de esos dos supersacos, los madrileños le dan a todo: postpunk, indie, punk, funk, pop… Y le dan con momentos oscuros, otros lúcidos, ora cañeros, ora más tranquilos. Se marcan un disco, un discazo, que parece –otra vez, para bien- un recopilatorio, en el sentido de que se aprecia una superficial falta de cohesión entre temas, provocada por esa increíble paleta de referencias e influencias. Pero decía que era una falta de cohesión sólo superficial. Si escarbas, y créeme que merece la pena hacerlo, descubres que dentro de la muy barroca propuesta, hay un fondo sólido. Un fondo en el que si el mayor inconveniente que se le puede poner es que suenan a tanto que terminan sonando sólo a Fuckaine o nos hemos vuelto todos locos o no sé de qué coño nos estamos quejando. Decía al principio que esto era en primer lugar.

En segundo lugar, la sorpresa grata viene porque sin querer casi, me veo tarareando melodías imposibles, rebozadas de buen gusto e impregnadas de calidad. Como en Cristales y su desatada batería. Un himno oscuro y modernito a partes iguales. O en la compleja y rockera (ja, entre otros mil adjetivos y etiquetas) Hooray. Recuerda a esos tiempos dorados usamericanos de hielos negros, besos sagrados y dieciseisañeros. Y sellos de ojos hambrientos clarostá. Recuerda en el tono, aunque el desarrollo la lleve por distintos derroteros. La peculiar Get Fit, de las pocas que no terminan de entrarme del todo, más por culpa mía supongo que de ellos. O la noventera Tronquito de Brasil. Playground retoma la senda oscura, la del bajo llevando el peso. Más afterpunk que post, o eso me parece, me devuelve a los yanquis citados. Sin parecerse en nada realmente. Pero es lo que tiene este absurdo ejercicio de poner en letras lo que sólo se puede sentir, de intentar expresar lo inaprensible. Ay. Surimi parte de un título cuando menos peculiar (por ser suave) para pegársete a la piel y quedarse ahí. Para bien y para mal. Y mira que con Rocki' Down Sun intentan repetir la jugada, pero les sale otra cosa, pegadiza también pero en otro plan. Protagonista el teclado aunque solo por un ratillo. Energía pura. Thnk U vuelve a dar una vuelta a quien creía que ya lo había oído todo. Pese a que la combinación vocal se me haga aquí un poco forzada, es de esas canciones que cuando las oyes plastificadas tienes la absoluta seguridad de que ganan sobre tabla. Pasa un poco con todo el disco, pero se acentúa para mí en este retorcido agradecimiento. Kahuna sería una broma si Fuckaine se tomaran en serio. Puesto que el rebose de talento les resta a Dios gracias trascendencia, la broma no cuela como tal, aunque se esfuercen. Las diferentes waves han hecho mucho daño y nosotros se lo agradecemos, no podía ser de otro modo. Casi sin darnos cuenta se nos está acabando el disco. La enloquecida Bionic Lobsters es tan extraña como adictiva. Magnífica. Japanese cuesta también un poco al que esto escribe. No me termina de atrapar, probablemente por comparación con lo anterior. Tras una decena de bofetadas (nueve si excluimos Get Fit), los pellizquitos incordian menos. Suerte que para el cierre reservan una pieza del calibre de Sun Goes Down. Apreciable en su aparente candidez, esconde toneladas de matices. No es a mi modo de ver lo mejor de TContagious pero no desentona para nada.

Tras la degustación, pausada, solo me queda una duda, una inquietud casi. Después de marcarte un primer disco como este, ¿qué te queda por hacer? No parece posible repetir la jugada, no a este nivel. Pero sí tengo claro que de suceder, ha de ser en el seno de Fuckaine dónde acontezca. Mientras esperamos, nos queda la vuelta. Desde Cristales. Una y otra vez.

NUEVO VIDEO CLIP DE THE DARK SHADOWS: NOBODY KNOWS

12/5/14
The Dark Shadows – Nobody knows:





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