LA RESISTENCIA ORGAN PRESENTA: BRIGHTER DEATH NOW + RAISON D'ÊTRE + DEUTSCH NEPAL EN BARCELONA

17/12/14



TRAS LA TORMENTA CELTIBÉRICA, FIESTA POST CONCIERTO EN LA SALA CLAMORES




TORMENTA CELTIBÉRICA ESTE SÁBADO EN MADRID




GOLDEN APES: Langsyne Litanies (AF Music 2014)

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Golden Apes publicaron Riot (para nosotros su mejor disco sin duda alguna) hace dos años y después se embarcaron en una exitosa gira por toda Europa que, por no perder la costumbre, no desembarcó en España. Después, ya en 2014, hicieron unos cuantos conciertos acústicos y de ahí surgió la idea para este Langsyne Litanies que vio la luz el 31 de octubre. Escogieron los cinco temas que pensaron que mejor se podían ajustar a lo acústico o los cinco que más les gustaron. Y lo que iba a ser un EP se convirtió en minLP (añadiéndole tres temas nuevos en el mismo formato). Interpretados con profusión de instrumentos, aparte de –lógicamente- guitarras y percusiones: chelos, flautas, tubas… un estupendo despliegue. El CD, limitado a 333 copias, muestra otra cara de los berlineses, una más pausada, más reflexiva si se quiere, más melancólica, pero en absoluto con menos fuerza.

Todo comienza con los primeros acordes de Devil (del citado Riot). La energía que supuraba entonces, sigue muy presente, no se difumina con la exuberancia instrumental y ciertamente gana en intensidad melodramática, probablemente culpa de las cuerdas que llenan los cinco minutos del tema. Oscura, pasional, los adjetivos se quedan cortos. Rosary permanecía inédita. Desde el bajo inicial hasta los coros finales, es un auténtico y sentido himno oscuro, imprescindible en cualquier discoteca, una pieza de orfebrería musical llena de sentimiento y magia. Perfectamente integrada en el sonido actual de la banda además. Blind-Eyed Boy, de The Geometry Of Tempest te abre en canal con el chelo y la guitarra acústica en medio tiempo. La voz de Peer desgrana la letra llena de melancolía sincera con ese timbre profundo que le caracteriza y la sensación de que siente cada palabra, eso que solo se nota cuando coinciden escritor e intérprete. Ferryman del mismo disco, es algo más movida. Otra vez el chelo protagoniza una pieza sentida, repleta de tristeza, en este caso, esperanzada. La guitarra, la voz, nada baja el nivel del tema, a una altura increíble, ciertamente.

The Archers, segunda inédita, tiene un aire como a trova medieval. Rítmica, la entonación como de narrador de leyendas, le da un toque muy especial. Para mí, es la mejor de Langsyne Litanies y teniendo en cuenta de lo que está rodeada… impresionante corte, vamos. Digging Towers, de Denying The Towers Our Words Are Falling From..., comienza con el chelo y el piano, en un tempo similar al de la original. Debo decir que este disco tal vez sea el que tengo menos oído de los germanos y a primera escucha no me terminó de entrar del todo. Hoy me la pondría todo el tiempo. El aire marcial de las percusiones ayuda, la excepcional interpretación tanto vocal como instrumental también. White Days, de Riot, también respeta el tempo original, aunque gana en matices, en belleza pura, lo que se deja de épica eléctrica. Aun siendo una especie de vals acústico la de Riot, no está puesto el acento ahí sino en la potencia de la melodía, tremenda. That Infinity Called Man… es la tercera inédita y cierra el disco. Inquietante, atmosférica, con el piano protagonista de la melodía principal y el resto de instrumentos dibujando por encima, es un epilogo perfecto para un estupendo trabajo. Instrumental, con algún sampler al principio, consigue su objetivo: que vuelvas a poner el CD desde el principio.

Langsyne Litanies tiene como único defecto que se hace francamente corto. Treinta y cinco minutos dos años después del disco anterior, nos sabe a poco. Sobre todo porque esos treinta y cinco minutos son posiblemente de los más intensos en lo que va de 2014 (ya no queda nada) y puesto que ha sido un año repleto de discos más que notables, es todo un gustazo encontrarse con este miniLp de tan preciosa factura. Esperemos que el nuevo disco, las nuevas canciones, no se hagan esperar mucho.

RAKTA EL 20 DE DICIEMBRE EN MADRID

14/12/14



BECUZZI - LYKE WAKE - NOISEDELIK - SSHE RETINA STIMULANTS – UNCODIFIED: Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes (SwissDarkNights 2014)

11/12/14
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Este disco de título breve y conciso (ja) es una especie de trabajo comunitario entre los cinco proyectos del encabezamiento. Son, a priori, los mayores representantes del dark ambient italiano y aquí unen sus fuerzas para demostrarlo. No es un recopilatorio, los cinco tipos han tocado en cada canción, es un trabajo colectivo. Cinco cortes (y un breve bonus de un minutillo al final) bastante uniformes en cuanto a sonido y planteamientos. Cinco piezas largas, de entre siete y nueve minutos cada una, que tratan de ambientar esos pasajes (y paisajes) sonoros que suelen ser la norma habitual en el género. Lo consiguen ciertamente.

Stranger In My Mirror es un tema oscuro, atmosférico, que imprime al oyente un cierto desasosiego tranquilo, una especie de peligro medido y al mismo tiempo inédito sobrevuela toda la canción, no sabes dónde está, lo que es peor, no sabes a ciencia cierta SI está. Como ese extraño en el espejo del título. Teclados ominosos, campanas, sonidos espaciales, experimentos variados que tejen un cierto tapiz onírico sobre el que se apoyan un sinfín de otros matices, algunos más evidentes que otros, algunos más puntiagudos. La mezcla de elementos electrónicos y orgánicos, de acústica y electricidad, proporciona el necesario sustrato para desarrollar esta pieza serena, de aire templado y experimental.

Sub-Atomic Theologies And Daemonic Filaments redunda en lo experimental, en lo ambiental, en las texturas abstractas, en la exploración de la línea, finísima, que separa música y ruido, abstracción pura. Tal vez tenga un aire más íntimo, más introspectivo que el anterior, pero refleja aproximadamente lo mismo. Ese mundo interior expansivo y tantas veces apologético. Ese otro mundo exterior, agobiante muchas veces, aplastante incluso. Y la enormidad del espacio, lo infinito y el tacto aterciopelado de la noche más oscura. Si tuvieras que coger todo eso y convertirlo en obra sonora (me cuesta llamarlo canción, me parece restrictivo dadas las circunstancias), probablemente estarías ante Sub-Atomic Theologies And Daemonic Filaments o incluso ante el siguiente corte, de estructura muy similar, como una segunda parte: A Dream Without Light. Más abierta esta última, más fría y menos densa. Igual de abstracta. No por ello más indefinida, pues si bien la representación es de paisajes difusos, sin límites conocidos, la percepción sónica concretiza estas líneas, las hace casi tocables.

Black Dawn Rising es quizá el corte más post industrial, más ruidoso. Y el más difícil. Sonidos aparentemente inconexos, ausencia total de melodía, silencios que significan tanto, que tienen el mismo peso que los “momentos sonoros”… complicado de escuchar y de comentar. Transmite mal rollo, consigue finalmente que aprecies un porqué de esa estructura desestructurada (si se me permite la expresión) pero la sensación no es agradable.

En Some Side Effects Of Lithium, sin embargo, se retorna a ese landscape sonoro ya trabajado en los tres primeros cortes, sin terminar de dar de lado el aspecto más opresivo y caótico pero buscando una cierta unidad audible, un tejido más “armonioso”. La inclusión de voces sampleadas, si bien están sepultadas bajo varias capas de sonido contribuye al despertar de sensaciones, a algo cercano al éxtasis sensorial (especialmente si escuchas este Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes, uf, a oscuras y con auriculares). Éxtasis en el sentido no necesariamente placentero, sí contemplativo. El delicado y breve bonus que hace de epílogo calma un poco el agitamiento provocado por el anterior, tiene un cierto efecto balsámico, necesario y de agradecer.

Poisonous, Black & White Iridescence Across Dangerously Amorphous Urban Landscapes es un álbum peculiar en su concepción, conceptual en su estructura y disposición interna, abstracto en su intención, delicado en su descripción onírica, hipnótico en su evolución. Una estupenda banda sonora postapocalíptica, una magnífica oportunidad de acercarte a la escena dark ambient italiana, que no solo de frío escandinavo y de aridez oriental vive el melómano.

Recuerda que lo puedes adquirir vía SwissDarkNights o a través de nosotros. O también enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


ARSENIC UNBIRTHDAY: Ravens And Writing Desks EP (Epitronic 2014)

10/12/14
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Arsenic Unbirthday es una banda de rock alternativo italiano, que después de varios cambios, tanto en el nombre como en la formación, y con la sabiduría que da el tener varias experiencias en el extranjero, como haber grabado en los estudios Death Island de Dinamarca, Marya Mallow y Nick Farlight dejan nacer en este caso “Ravens and writing desks” su primer EP, de la mano de Epictronic, concentrándolo en seis canciones porque como todos sabemos, el veneno siempre va en botes pequeños.

“My Enemy” abre el disco recordando irremediablemente a Evanescence, aunque ya a mitad de canción, que es bastante pegadiza, gracias a la batería y teclados pega un giro hacia Muse que te hace olvidar que te han recordado al otro grupo anteriormente y te centra nuevamente los oídos.

Arsenic Unbirthday se define como una “venenosa” banda de rock alternativo y es en “Unnecessary Pain”, la segunda canción, donde ya podemos encontrar esas gotas de veneno a través de un sonido menos melódico y más depresivo conseguido con la guitarra y la batería de Alex Stowe que colabora en este EP. “Imperfect”, quizás es por el título que no le acabo de coger el gusto más que a la primera mitad de la canción. Como es característico en el rock alternativo el grupo que se arriesga a hacer canciones de cinco minutos se enfrenta a dos problemas: que parezca que se ha rayado el disco por lo repetitiva o que quieran cambiar tanto dentro de la misma canción que al final quede como una especie de refrito extraño. Y para mi este es el caso. Me agobia, pero igual es parte de ese veneno que me está empezando a hacer efecto.

“Another sin to hide “ te envuelve con la voz de Marya y la guitarra dulce, eléctrica y potente característica de las semibaladas alternativas, para que en “Leaves Beneath” le den prioridad a los teclados, efectos y batería volviendo otra vez a ese sonido tóxico que no por definirlo así es malo. Sparklet cierra este variado EP con un sonido fresco, guitarrero, como si fuera el cubo de agua fría necesario para espabilar de tanto veneno y que te deja pensando de qué estilo sería la siguiente canción si hubiera más, por lo que la sensación en general es bastante buena: cuidadas letras, gran voz muy moldeable la de Marya Mallow, la impecable y guerrera guitarra de Nick Farlight y la indestructible y necesaria percusión de Alex Stowe hacen que este pequeño (por lo corto) bote de arsénico sea a tener en cuenta.

Texto: Chatarrera


RECORDATORIO: PARALITIKOS CELEBRAN EN MADRID SU 25 ANIVERSARIO, EL 20 DE DICIEMBRE EN LA WURLI Y DESPUES NOMADA SESSION 35




RECORDATORIO: DARK CHRISTMAS FESTIVAL 2014: DIARY OF DREAMS + THE FROZEN AUTUMN + ESTILO INTERNACIONAL




NEW BREED - Pleasure & Pain (Gothic Music Records 2014)

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New Breed no son unos recién llegados en esto del gothic rock ortodoxo. Se formaron en Stavanger (Noruega) en 1998 aunque se “refundaron” hace un par de años. En el currículo de sus miembros, Elusive, The River Knows y un bastante largo etcétera. De hecho este Pleasure & Pain se publicó en 2003 en formato minilp de siete temas. Ahora, en 2014, ha sido remasterizado y se le han añadido las cuatro canciones del EP Shadows (1999) y alguna sorpresa. El resultado no ha podido ser mejor. La edición, como siempre cuidada al milímetro; el sonido, excelente; el diseño, francamente bonito. Una ocasión estupenda para hacerse con un trabajo imprescindible en el gothic rock ortodoxo (bah, o en el que sea) y, esperemos que el refrendo definitivo a la banda que no disfrutó hace once años. Veamos por qué.

El CD se abre con Neurotica. Una pieza de cuatro minutos que encierra ya las características que definen todo este Pleasure & Pain: guitarras omnipresentes, bajos contundentes, ritmos ad-hoc y una voz personal pero a la vez llena de referencias. Gótico de guitarras del de toda la vida, en la vertiente menos deudora de la herencia sisterciense. Nada nuevo bajo el sol, parece. Pues no. Es cierto que no hay nada esencialmente novérrimo en esta Neurotica (ni, claro, en el resto del CD) pero esas líneas de guitarra, ese bajo atronador… Suena lo bastante bien como para resultar estimulante, lo bastante potente para ser atrayente. Memories es conocida ya de This Is Gothic Rock vol. I. Más medio tiempo que la anterior, más pausada pero no menos intensa. Melodías de esas que se te meten dentro. Estremecedoras como las de Pleasure. La combinación de riffs y teclados le da un toque melancólico oscuro al tema que recuerda al rock noir de unos Le Fleurs Du Mal. Más pegadizos aún si cabe. Un buen corte que da paso a una de las joyas del CD, Pain. Repleta de matices, casi puedes notar el humo seco. Empieza tranquila y va creciendo y creciendo hasta que explota, combinando voces, instrumentos… No es de esas canciones épicas que terminan desgarrándose, es… otra cosa. Una estupenda. Shadows recuerda en su estribillo y en la línea melódica a When You Don’t See Me de los sempiternos Sisters, pero ahí termina el parecido. Por lo demás es otro magnífico ejemplo de gótico guitarrero bien hecho, ortodoxo, sí, canónico. Pero muy bien ejecutado. Y además es de las que se pegan como el caramelo caliente. Difícil desprenderte de ella una vez escuchada, difícil no oírla de nuevo. Escape es también, como Existence (que cierran lo que sería el disco original) cien por cien gothic rock clasicorro, con todo lo bueno y todo lo malo que conlleva eso. En este caso que nos ocupa es mucho más lo bueno que lo malo, a estas alturas que ya sabemos a qué atenernos, se agradece que no haya lugar a desfases estilísticos.

Queda lo que fue el EP Shadows. Repiten la propia y Escape. Sinceramente me parecen mejores las “nuevas” versiones, más trabajadas, como más acabadas. Más pulidas. No es que sean radicalmente diferentes, no lo son claro, pero conociendo el resultado posterior y sin desmerecer nada, las del EP me suenan a demo. Aun con todo, prefiero Shadows a Escape, que tiene una cierta intención no sé si bailable que a mi modo de ver no le hace ningún bien. Electra es oscura, muy oscura. Se nota también que a aquellas alturas, las referencias, los espejos en los que mirarse eran más omnipresentes que ahora. Buen tema pero lejos de los grandes momentos de Pleasure & Pain. Desire es más balada clásica. Suficientemente melancólica, convenientemente intensa. El mejor corte del EP para mi gusto. Cuando rompe llega al desgarro que citaba antes, recuerda a los más inspirados Dreadful Shadows (menos endurecida, eso sí). Preciosa.

New Breed representan fielmente el “nuevo” gothic rock que llega de Escandinavia. Son sobrios, oscuros, guitarreros, clásicos… Tienen todo lo necesario para ser parte de la columna vertebral de esa nueva hornada de grupos del género. Por supuesto hay que esperar un poco para ver si con nuevos trabajos acreditan lo que apuntaron en 2003 que ahora ve la luz en 2014. Habrá que esperar pero todo hace indicar que así será. La gente de Gothic Music Records tiene buen ojo…

Como ya sabes este disco y el resto de los del sello los puedes adquirir vía Gothic Music Records o a través de nosotros. O por supuesto enviando un correo electrónico a laletracapital@hotmail.com.


OCTOBER PEOPLE PRESENTAN LOVE IS COLDER THAN DEATH EN ENERO EN MADRID

9/12/14



SOVIET SOVIET POR PRIMERA VEZ EN BARCELONA

7/12/14



LA SANTÍSIMA TRINIDAD DEL AFTERPUNK, KANTE PINRÉLIKO + LOS CARNICEROS DEL NORTE + EYACULACIÓN POSTMORTEM, 05 de diciembre de 2014, Sala We Rock, Madrid

5/12/14
Tengo un impresionante imán para atraer a frikis, pesaos e idiotas en general, se me pegan como lapas. Esta capacidad magnética se acentúa los días de concierto, desconozco la razón. No sé si es porque los eventos a los que suelo acudir son más ricos en este tipo de gente o porque mi natural atractivo se magnifica en esas ocasiones, pero lo cierto es que es raro el concierto en el que no me toca sufrir a algún personaje de estos, antes, durante o después del bolo. En fin. Paciencia. Había quedado con dos bellas damas pero mi tendencia a la hiperpuntualidad (y gran talento aparcando) me obligó a esperarlas casi una hora. Caldo de cultivo perfecto para brasas varias. Al fin llegaron y poco después la sala We Rock abrió las puertas.

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Con relativa puntualidad los cartageneros Kante Pinréliko se hicieron cargo del escenario. Al comenzar el tema dedicado al coño de su vecina, sic, había ya bastante gente pendiente, no estaba llena la We Rock pero no faltaba demasiado. El sonido, correcto, permitía entender con bastante nitidez las letras del cuarteto, para mí su mejor baza. Musicalmente se ciñen bastante al género, con momentos más bestias que otros pero claro, hacen punk. Con mucha influencia after pero punk al fin y al cabo. Ya sabes, melodías sencillas, rapidez, velocidad, un puntito de mala hostia… y mucho talento en la lírica, que, insisto, para mí es lo que los hace diferentes. Repasaron un montón de canciones (tienen una amplísima trayectoria detrás), destacando a mi modo de ver Ladrón de Cadáveres, Poción de Loncha, Si Me Faltas Tú y Que Mal Me Peino. Las interpretaciones (de todas, no solo de esas) estuvieron bien, bastante bien. Me hicieron mucha gracia además los “apelativos” que el bueno de Pepe Moya iba dirigiéndonos entre canciones. Sentido del humor, fundamental en este género en el que no hay nada peor que ponerse intensito.

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El concierto terminó sin bises, con Soy de Cartagena. Tan reivindicativa como divertida. Otro himno, pero claro, es que casi todos lo son. En definitiva un muy buen concierto, demostrando tablas y saber hacer (algo que se repetiría toda la noche). El único pero que le puedo poner es que a ratos fue un poco monótono en cuanto al estilo. Pero oye, es que son así, tienen un estilo marcado, una manera de cantar, incluso una métrica, definida, concreta. Las canciones se parecen entre sí, no podía ser de otro modo pero es un “pero” menor. La gente se lo pasó en grande demostrando (algo que también se repetiría a lo largo de todo el evento) que el orden de las bandas era lo de menos y que cualquiera hubiera sido igual de perfecto. Les tocó abrir a los cartageneros, pues bien, pues vale, pues abrieron, pero convencieron al que esto escribe que perfectamente podrían haber cerrado. Se hizo corto el recital, la verdad.

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Turno para Los Carniceros del Norte. La novedad es que venían con batería. Bueno, novedad para mí, siempre los había visto con caja de ritmos solo, pero esta noche decidieron combinar las baquetas “orgánicas” con las electrónicas. Y el resultado, fue, a mi entender, bastante bueno. Abrieron con Llamando a las Puertas Del Infierno. Después Los Muertos Vivientes, El Hombre de los Rayos X en los Ojos (una de mis preferidas)… intachable el setlist, pero no entiendo porque obviaron todos los temas nuevos (tienen EP reciente y en principio en breve saldrá LP, Coulrofobia) y se centraron en un repertorio genial, pero que ya habían tocado en Madrid repetidas veces. Independientemente de esto, sonaron como nunca, con los cuatro músicos en estado de gracia y la impresionante interpretación teatralizada habitual. Habitual en cuanto a lo impresionante, esa si varía a lo largo de los diferentes conciertos. Lógico por otro lado.

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Del resto, destacaría Gritos en la Noche, Doctor Caligari y, claro, Nosferatu En Barakaldo y Nekromantikos con el público ya absolutamente desatado. Empujones, pogos, salto, golpes… poco me parece para lo que sucedía sobre el escenario. De las tres bandas que forman esta bizarra Trinidad, mi preferida es la de la carnicería por lo que disfruté como un enano con cada tema escupido. Y eso que quedaba la sorpresa final. Ana Curra sale al escenario a interpretar con el cuarteto Autosuficiencia y Un Día en Texas. Su siniestrísima majestad dándole un punto, su punto, decadente y elegante al Acto. Sé que quien está a mi lado en este momento lo está disfrutando especialmente aunque siga con gesto impertérrito, como el resto del concierto. Fue un final apoteósico para un concierto estupendo, corto, como todos (tres grupos, ya sabes). Un concierto magnífico pese a que no tocaron Las Manos de Orlac. Eso ya, lo reconozco, es una manía personal, me encanta esa canción, qué le vamos a hacer.

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Quedaban de fin de fiesta Eyaculación Postmortem. Los de Barcelona traían además espectáculo añadido. Además de un theremin. Instrumento al que profeso admiración y manía a partes iguales. Nunca una nota rara dio tanto de sí, nunca algo más cerca de la curiosidad científica que del arte fue usado tan profusamente para lo segundo. Sobrevalorado hasta decir basta aunque me fascina la “física” de su funcionamiento. Dicotomías. Para el espectáculo quedaban algunas canciones aún, La Vida Me Sonríe y Quiero Ser Párroco. Ya de primeras suena peor (la voz especialmente). No consigo entender ninguna letra, es todo demasiado confuso. Musicalmente bien, sin grandes alardes pero más que eficaces. La batería lo bastante atronadora, la guitarra y el bajo contundentes, el ocasional teclado también bien, insisto, el único problema la voz. Puede que incluso fuera a propósito, más o menos, en el sentido de darle un punto cuasi hardcore a todo, no lo sé.

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El espectáculo citado antes, las eyaculettes. Disfraces, corsés, sangre artificial, fusta, pollas de plástico como pistolas de agua “eyaculando” sobre la gente… Un gustazo. Divertidas y sexys, hicieron que fuera un concierto especial. Musicalmente me gustaron Como Hacerse El Muerto (y no morir en el intento) y Yo Fui Una Sadoréxica Adolescente. Y claro, Tú Vienes de Negro, Nosotros Volvemos de Gris, otro pedazo de himno. En resumen, los EPM lo dieron todo. La única pena lo dicho de la voz, pero no se puede tener todo. Un gran concierto.

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Corred corred, antes de que esto se llene de heavies. Y corriendo salimos, claro, al extremo de la Gran Vía, casi en Alcalá ya, dónde estaba programada la fiesta postconcierto. Buena música, buena compañía, pero sin grifo de cerveza. Casi inadmisible.

(Modo guiños On. ¿Cuánto se tarda en levantar una cresta de esas? Dios, mira, la estatua de la libertad. Unos cuantos peleándose de mentira, idos a un albergue. Tercios. Bailes que no. Risas. Taburetes sin usar, abrigos que sobran. Modo guiños Off.)

Un evento bien, perfectamente, organizado. Tres grupos, tres estilos que son uno. Tres maneras de ver y vivir cosas parecidas. Una noche que se hizo muy corta. Esperemos repetir lo antes posible.

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THE NIGHTCHILD: I'm Not Afraid Of This (Cold Insanity Music 2014)

4/12/14
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The Nightchild, nacido en Donetsk, presentan “I’m not afraid of this” para celebrar sus diez años en el panorama musical. Después de “Memories”, donde el sonido era bastante cañero, con estos nuevos 12 cortes los ucranianos buscan su propio estilo y sonido acercándose más al romanticismo oscuro, con guitarras melódicas y pausadas, como nos muestra ya la primera canción, “March Of The Fear”, instrumental con una melodía bastante sencilla pero completa. “I´m Not Afraid Of This” corte que le da título al disco, suena clásico en guitarras, teclados y batería. La voz de Alexei unida a su pronunciación me hacen pensar que igual en ucraniano sonarían bastante mejor. “Memories” suena bastante parecida a la anterior, sin dejar el toque retro pero tampoco mostrando nada nuevo. “Inner Prison”, algo más cañera pero en la misma línea, nos lleva hasta “Cenobites”, donde el teclado toma algo más de protagonismo. Quizás la canción más completa del disco, al que en tono general le falta bastante fuerza y riesgo a la hora de componer las canciones. Demasiado influenciado por los clásicos ochenteros, es más de lo mismo sin nada que destaque especialmente.

“Come With Me” en el ecuador del disco, es igual que las cinco canciones anteriores, y que las seis siguientes. No hay ningún riesgo, ni variedad, todas cortadas por el mismo patrón, con diferencia en la velocidad de la guitarra y si hay más o menos batería. Algunos momentos hasta tiene ramalazos pop. Y la voz del cantante no ayuda, es como si el cantante de Pereza cantara ahora rock gótico, ahí lo dejo.

“She’s Dancing In The Rain” ( con sus efectos de lluvia incluidos) sigue la línea sin variarla un ápice como continuidad infinita del rock gótico ochentero, que no suena mal para nada, pero todo esto ya lo hemos oído antes, como “Blood On The Roses”, otra de las más completas dentro de su estilo. “Mirror” me llama la atención por la fuerza, el cambio de tono de voz (algo más grave) aunque hayan metido efectos de un espejo roto y me pregunte si de verdad era necesario que lo hicieran. Una de las mejores del disco, pese a los cristalitos.

Y, casi diría que por fin, los tres últimos cortes: “Someone´s Toy” suena bastante bien , más rítmica y con un estilo menos romántico que el resto del disco, al igual que “The Madness Returns”, para mí la mejor del disco, buen ritmo, gran batería, sin dejar el estilo clásico, pero que dentro del conjunto se hace destacar. Escuchando estas últimas canciones pienso que les pega más esta vertiente que la del resto del disco. Y me lo confirma “Stars”, casi seis minutos de canción donde mezclando ambos sonidos, romántico y guitarrero, le sobran tres.

Después de varias escuchas, “I’m Not Afraid Of This” no está entre mis discos favoritos.

Texto: Chatarrera


NOMADA SESSION 34: SABADO 6 DE DICIEMBRE EN LA LEYENDA



DRAMA OF THE SPHERES: Puzzled View (Manic Depression 2014)

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Difícil me lo ha puesto este Puzzled View de los franceses Drama Of The Spheres. Una banda veterana, más de veinte años de trayectoria, pero que sinceramente no conocía más que de nombre. Pero eso no ha sido lo que lo ha hecho complicado, obviamente. Lo complicado viene cuando pulsas el play en el reproductor y los primeros sonidos empiezan a llenar la habitación. Viene cuando te das cuenta de la absoluta locura que impregna cada nota. Es como si Marilyn Manson se hubiera tirado veinte años en un psiquiátrico escuchando deathrock todo el rato y hubiera decidido, al salir, remezclar las paranoias más delirantes de Virgin Prunes. Está claro, ¿no? Pues me quedo corto. Riffs imposibles de guitarra, cercanos al rock noventero independiente, constantes cambios de ritmo, bajos tremebundos y desquiciada genialidad a volumen brutal. La voz es absolutamente personal aunque tiene ese deje deathrockero tan característico mezclado con la ronquera de un Reznor o del propio MManson. Con el añadido de la mala hostia de un Jaz Coleman pasado de vueltas. Lo dicho, complicado, muy complicado.

Y es que me ha costado entrar en un disco que en un primer momento me parecía deslavazado, confuso, ruidoso en el mal sentido. Como si los instrumentos en vez de compatibilizarse entre sí, compitieran por destacar, por quedar por encima. Pero poco a poco he ido “comprendiendo” las canciones, intuyendo los porqués, vislumbrando que es lo que DOTS pretenden con cada detalle. No es fácil Puzzled View, no te deja disfrutarlo a la primera. Circus recuerda en guitarrazos y ritmos a ese rock noventero alternativo que citaba antes. Los cambios en la enloquecida voz, el bajo omnipresente… y el detalle central puramente circense, una chifladura más, una genialidad, una boutade absoluta. Puppet Song no refleja menos desquicie. Toques industriales (desde el rock, otra vez), alucinantes matices. La letra repite un mantra larguísimo, el ritmo cambia cien veces y JeroMad se erige en protagonista absoluto. Toxic Boy suena bastante deathrock, especialmente en garganta. La estructura es muy parecida a las anteriores pero la suaviza el teclado. Tiempo al tiempo se ha convertido en una de mis favoritas del disco. Identified retoma la senda del nuevo rock noventero, el que creció tras la explosión grunge, especialmente en la arquitectura del tema. La voz, otra vez, se carga un poco esa apariencia pero no evita la imagen de melena y pantalón corto ancho con sudadera de capucha. Terroristik Toiz redunda en lo apuntado. Demasiada hostia con las seis cuerdas para mi gusto, le falta algo de decadencia elegante entre tanto punch. Los efectos de micro recuerdan de nuevo a la Marilyna, aunque sin exagerar. Dustman se apoya en el teclado en su comienzo, ondulante, bella, pronto se enrancia con efectos diversos y entra el trueno de la guitarra y la batería aporreada con saña. Las teclas se contagian y la voz vuelve de cabeza al loquero. Curiosa, muy curiosa. So Fake es cortita, poco más de dos minutos de piano y enajenación mental. Está tan fuera de punto respecto al resto del CD que se le coge cariño enseguida. Casi cabaretera oscura. No digo más. Por el contrario, The Story Of A Crow, con la que termina el trabajo regresa a los derroteros habituales y anteriores. Suavizados un poco, pero ahí están.

Decía que no es fácil este disco, no entra a la primera ni a la segunda ni a la tercera. Pero tiene algo, algo especial que hace que termine gustando, como las bebidas amargas. Algo distinto. Algo además, muy poco francés. Y muy poco corriente. Destaca por ello.

ASH CODE: Oblivion (SwissDarkNights 2014)

3/12/14
a1192424440_10ash grupoElectrónica, new wave, darkwave, post punk. Adjetivos que por sí mismos no significan gran cosa. Casillas, etiquetas, cajoncitos para poder meter a los grupos y sus discos, ayuda para los escribientes y pistas para escuchantes. Zarandajas variadas para llenar páginas y ordena estanterías. Lo que pasa es que por la propia idiosincrasia de las mismas, suelen quedarse cortas. Y en ocasiones, directamente saltan por los aires en cuanto te llevas a la oreja un CD. En el caso concreto que nos ocupa, cualquiera de las etiquetas mencionadas sería cierta. Y cualquiera podría ser falsa, o al menos incompleta, no podrías circunscribir a los italianos Ash Code en ninguna de ellas. Ni esforzándote. La combinación de influencias de Claudia, Adriano y Alessandro es tan diversa, tan amplia, que consiguen trascender cualquier intento de etiquetarlos. Y eso que realmente lo que hacen suena a conocido, no son radicalmente originales, no son drásticamente diferentes, no son tajantemente distintos a todo lo que hayas podido escuchar anteriormente. En absoluto. Pero sí son infinitamente mejores que la media, sí suenan lo bastante frescos, lo suficientemente modernos (sin romper con el pasado, saben dónde tienen sus raíces) como para llamar poderosamente la atención de quien esto escribe.

El CD debut de los de Nápoles, lleva por nombre Oblivion. Diez canciones, no demasiado largas (en conjunto el disco no llega a los cuarenta minutos), diez canciones realmente impresionantes. Void es una corta intro pero que ya demuestra esa mezcla de la que hablaba: spoken words, ominosos teclados… Perfecta en su escasa pretensión. Waves with no Shores recuerda a los mejores ochenta. Bailable pero oscura al mismo tiempo. De esas con el estribillo en el teclado. La combinación de voces masculina-femenina le otorga un empaque especial y la hipnótica percusión hace el resto. Dry Your Eyes es un superhit. Es de esos temas que la primera vez que los oyes, ya te los imaginas en mil sitios, sonando a todas horas. Pero para bien. Huele también a esa década antes citada, a la sección menos petarda. Crucified suena más moderna. Unos diez años más moderna. Pegadiza, con ligeros aires ebemeros, arrastrada por la voz, que es de esas acariciantes. Oblivion es fría, oscura, repetitiva… Magnífica. Ay, si toda la electrónica fuera así, si todo el postpunk, si toda la darkwave. El bajo de Adriano (un Fender VI barítono, al parecer) acompaña perfectamente a la caja de ritmos y a los ondulantes teclados. Algo parecido a lo que sucede con Unnecessary Songs, paradójico título toda vez que está rodeado de lo contrario. Con todo, no es de los mejores cortes de Oblivion, no es de los que más me llegan. Me gusta más por ejemplo Empty Room. Con el bajo como protagonista absoluto y otra vez el teclado y el ritmo que recuerdan a unos D.A.F. especialmente inspirados o a unos Grauzone todavía más fríos de lo habitual. Otro de esos cortes que escucharías una y otra vez. Drama es otra de esas obras maestras de los napolitanos. En la línea de la anterior en cuanto a recuerdos, es más movida pero no por eso más cálida. La coldwave francesa muy presente en la voz de Claudia, tres minutos largos de buen hacer musical. Otro hit indiscutible. Want vuelve a la senda bailable, a la de Crucified, pero con añadido shoegaze en los efectos, pedazo de canción. De nuevo el estribillo de teclado, rimo subido de tempo y bajo ennegreciendo todo el conjunto. El recitado de Alessandro baja grados de temperatura pese a la incitación al bailoteo. Want es la canción que pondría si quisiera dar a conocer a Ash Code. Sin duda. El disco cierra con North Bahnhof, lento, oscuro, helado. La voz se desliza pesadamente, las voces más bien, combinan aquí de nuevo los dos cantantes. Un corte tristísimo, desesperanzado. Precioso. Buen final para un debut estupendo de una banda que se me antoja que se hará imprescindible en próximos años, con próximos trabajos. Recuerda cuando todo el mundo hable de Ash Code que ya te lo avisamos. Oblivion es un trabajo realmente bueno. Muy bueno.

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TeHÔM: Lacrimae Mundi (Cyclic Law 2014)

2/12/14
digipack01digipack06Catorce años después de su anterior trabajo, el proyecto croata TeHÔM (ya compuesto sólo por Miljenko Rajaković, tras la desgraciada muerte de Siniša Očuršćak allá por el 97) lanza este Lacrimae Mundi que el cada vez más prestigioso sello canadiense Cyclic Law edita con el cuidado habitual. Un digipack de seis paneles que resumen de algún modo lo que musicalmente contiene. De la parte gráfica se ocupa Dehn Sora (Treha Sektori) y la llena de misticismo y oscuridad, de buen gusto y de misterio, más o menos como los sentimientos que transmite el propio CD. La mezcla de dark ambient y música ritual, de resonancias puramente experimentales y otras simplemente atmosféricas, ya estaba presente en los dos discos anteriores, tanto en Despiritualization of Nature como en Theriomorphic Spirits aunque aquí se enriquece el sonido en matices, con la adición de nuevos espectros cromáticos musicales y composiciones más complejas y llenas de capas sonoras entrelazadas. Los nueve temas que componen estas lágrimas del mundo se mueven en un terreno similar, amplios espacios sonoros, inquietantes capas de experimental ruido, lejanas notas de diferentes instrumentos, voces sampleadas que en ocasiones susurran y en otras se muestran decididamente enérgicas… Todo para intentar de alguna forma explicar la eterna búsqueda del hombre, la verdad más allá de lo aparente.

Ritos ancestrales, fuego y oscuridad, tierra y dolor. Ceremonias tribales desconocidas, perpetradas desde los albores de la humanidad. Una nueva criatura, poderosa y turbadora. La perfecta banda sonora para el surrealismo y las sofocantes tinieblas. Pasajes oníricos como en Perilous Depth. Pecusiones tribales. Atmósferas opresivas… Cierra los ojos y sueña. Abre tu mente, déjate llevar por el sonido. Nada importa ya. Darkness Cosmogony Of Myths me recuerda a las sensaciones que se tienen al bucear, al sumergirse completamente en el agua. El sonido llega a tus oídos tremendamente amortiguado, se enrosca en tu cerebro. Al final todos los mitos son lo mismo, repetidos con variaciones formales en las diferentes civilizaciones pero iguales en el fondo. Las eternas preguntas, las buscadas y nunca halladas respuestas. Lo más profundo de la tierra y lo más lejano del cosmos son el mismo abismo. Abyss es una pieza envolvente, oscurísima, llena de infinitas facetas que no reflejan luz alguna pues no hay tal. Más percusiones tribales, más sonidos de origen ignoto pero que despiertan en tu interior tanto o más que si fueran conocidos. Amorphous Structure es el siguiente corte. Experimental, radicalmente tenebroso, perturbador. Uno de esos temas para escuchar mejor con cascos y comprobar como fluye de derecha a izquierda. La voz acentúa esa sensación de desasosiego profundo, las percusiones lo subrayan.

The World Ended pasa por ser una de mis preferidas del álbum, si es que me tengo que decantar por alguna. Tengo la sensación de que refleja perfectamente todo el sentir del disco entero. Lo arcano, lo escondido. Lo atmosférico, lo oscuro, lo litúrgico, lo fantástico. Ya está aquí esa nueva criatura que presagia la portada. Con la sabiduría del cuervo y la experiencia del hombre. Lacrimae Mundi no le anda a la zaga. Circular y cíclica, como una espiral que no sabes si asciende o desciende, en el caso de que no sean finalmente la misma cosa. Otra vez los arcanos mitos. Griegos, sánscritos… las lágrimas del mundo son las lágrimas de los dioses. The Magnitude Of Shaking o el agua, la alquimia, los secretos mejor guardados. Texturas, paisajes sonoros. Voces femeninas entrelazadas. La sensación de ahogo no decrece. Atum es el penúltimo corte. Uno de los más incidentales. De nuevo recomiendo escucharlo a oscuras y con cascos (bueno, todo el disco en realidad). Sin distracciones. Sólo tú y TeHÔM. Modality Of Cosmic Matter. El señor de los secretos pide silencio. Samplers, spoken word, sonidos etéreos, casi espaciales. Como un cielo estrellado, sin luz que lo contamine. Frío, muy frío y oscuro, muy oscuro. Por supuesto bello, muy bello.

Gran disco este Lacrimae Mundi. Gran trabajo que espero agote pronto las quinientas copias prensadas. En un año especialmente prolífico en este gran saco del ambiental oscuro, TeHÔM es uno de los imprescindibles. Ni lo dudes.

SANTÍSIMA TRINIDAD DEL AFTERPUNK: KANTE PINRÉLICO, EYACULACIÓN POSTMORTEM Y CARNICEROS DEL NORTE, EL 5 DE DICIEMBRE EN WE ROCK, MADRID

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PARALITIKOS CELEBRAN EN MADRID SU 25 ANIVERSARIO, EL 20 DE DICIEMBRE EN LA WURLI

23/11/14